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Palmarés de la 17º edición del Festival de Málaga

alberto — Sat, 29 Mar 2014 12:02:19 +0000

Málaga echa el telón de su festival de cine tras una semana llena de películas de gran calidad -aunque con alguna que otra decepción-. Así pues, llega el turno del jurado con los consabidos y habituales premios y reconocimientos… ¡Y las biznagas! Conoce a los galardonados y los afortunados ganadores de la 17º edición del Festival de Málaga.

El jurado de la sección oficial a concurso de largometrajes de la 17º edición del Festival de Málaga de cine español, integrado por Manuel Gómez Pereira (presidente), Ernesto Alterio, Jocelyne Faessel, José Antonio Garriga Vela, María Barranco, Najwa Nimri y Xavi Puebla, ha emitido el siguiente fallo:

Biznaga de Oro a la Mejor Película 10.000 KM, de Carlos Marques-Marcet

Biznaga de plata premio especial de jurado

Todos están muertos, de Beatriz Sanchís

Biznaga de plata a la mejor dirección

10.000 KM, de Carlos Marques-Marcet

Biznaga de plata a la mejor actriz

Ex aequo a Natalia Tena por 10.000 KM y Elena Anaya por Todos están muertos

Biznaga de plata al mejor actor

Juan Diego por Anochece en la India

Biznaga de plata a la mejor actriz de reparto

Yolanda Ramos por Carmina y Amén

Biznaga de plata al mejor actor de reparto

Ex aequo a Salva Reina y Héctor Medina por 321 días en Michigan

Biznaga de plata al mejor guión

Paco León por Carmina y Amén

Biznaga de plata a la mejor banda sonora original

Akrobats por Todos están muertos

Biznaga de plata a la mejor fotografía – deluxe

Nicolas Bolduc por No llores, vuela

Biznaga de plata al mejor montaje

José Manuel García Moyano por Anochece en la India

Biznaga de plata al mejor guionista novel

Carlos Marques-Marcet y Clara Roquet por 10.000 KM

El palmarés al completo del Festival de Málaga, y el resto de premios de diferentes categorías y certámenes paralelos a la sección oficial, aquí.

La vida inesperada, de Jorge Torregrossa

alberto — Fri, 28 Mar 2014 18:40:10 +0000

La sección oficial del Festival de Málaga termina con una de las películas más hermosas de las que tenemos constancia en los diecisiete años en los que se lleva celebrando. La vida inesperada, de Jorge Torregrossa es un film lleno de buenas intenciones y mejores interpretaciones, que nos ha dejado gran sabor de boca en la clausura de la sección de largometrajes.

Jorge Torregrossa quizás no tuvo demasiado suerte con su primera película. Había buenas intenciones en la extraña y poco conclusa Fin, pero con eso ni se vive, ni se consigue nada. Pero cuando el talento -Torregrossa lo tiene- se conjunta con la creatividad y la planificación más exquisita, las cosas salen bien. O muy bien, como es en el caso de La vida inesperada. La vida inesperada nos cuenta una historia sobre la búsqueda de la felicidad de dos personajes -interpretados por Javier Cámara y Raúl Arévalo- en la ciudad que nunca duerme. Así pues, tenemos a un actor fracasado que tiene que pluriemplearse para poder pagar su piso, y a su primo, un ejecutivo de una importante firma -que a pocos meses de su boda-, decide cruzar el charco para aclarar sus ideas. La vida inesperada es un binomio donde los sueños y los amores rotos, la búsqueda de la felicidad y las aspiraciones de futuro, se entrelazan y fluyen a la perfección durante el metraje.

La vida inesperada tiene tanto de Billy Wilder como de Woody Allen -más de este último- en su narración, con un tono que se bate entre lo trágico y lo inspirador, entre el drama y la comedia. Es lo cinematográfico del ambiente -Nueva York es el escenario perfecto, y más en una obra que desprende tanto amor por el cine clásico como la presente-, y lo excelso del guión -Elvira Lindo consigue construir unos roles para ambos protagonistas en paralelo de una manera tan delicada- lo que logran redondear un conjunto, que también en lo técnico -mención para la banda sonora de Lucio Godoy y Federico Jusid-, brilla con luz propia.

Alberto González

321 días en Michigan, de Enrique García

alberto — Wed, 26 Mar 2014 19:09:17 +0000

321 días en Michigan, primer corte cinematográfico netamente malagueño que compite en la sección oficial de largometrajes del Festival de Málaga, nos traslada al duro mundo penitenciario, y nos cuenta, sin tópicos de por medio, un brillante drama humano trufado de grandes actuaciones. Hasta la fecha, de lo mejor visto en el presente maratón de películas españolas vivido durante estos días.

321 días en Michigan, de Enrique García, narra la historia de Antonio, un brillante ejecutivo al que han condenado y dictaminado orden inmediata de prisión por una serie de delitos financieros. Para mantener su imagen y su pulcra apariencia, Antonio -Chico García-, con habilidad, contactos, amigos y la ayuda de su pareja, hará creer a sus amigos y familiares que en lugar de ingresar en la cárcel, se va de máster y de viaje de estudios a Michigan en los Estados Unidos. Enrique García -director de la película- expande así el argumento de su corto -germen de la presente producción-, añadiéndole una mayor dosis de realidad y verosimilitud, y ofreciendo un drama carcelario que poco o nada tiene que ver con anteriores intentonas del género.

La película malagueña traza una línea y varios grados de separación con respecto a otras cintas de temática o corte similar, y nos muestra a unos personajes tan creíbles como habituales, que siguen manteniendo sus aspiraciones, miedos e inseguridades pese a estar recluidos y privados de su propia libertad tras los muros y rejas del recinto. 321 días en Michigan no aprovecha este pretexto para meternos con calzador las historias y pasados de los reos -poco o nada importan-, y nos invita más bien, a descubrir las motivaciones de los mismos en su día a día, que van desde la superación personal en forma de estudios, a la necesidad de echar un partido de fútbol en el patio o tomarse una copa. Es, sin duda, el mayor acierto de esta 321 días en Michigan, que deposita todo o casi todo su peso, encima de unos caracteres y unas interpretaciones -Virginia Demorata nos regala una que bien merece un reconocimiento en forma de Biznaga-, que llevan el ritmo de la historia y la narración sin ningún tipo de titubeo. El reparto está compuesto por actores como Héctor Medina o Salva Reina, que también dan la réplica, y aportan su grano de arena con unos secundarios igualmente buenos.

Hay otros aciertos en la notable 321 días en Michigan. Uno de ellos, y primordial para el argumento que se nos cuenta, es el relativo al escenario donde transcurre -íntegramente- la acción. Enrique García consigue aislarnos por completo del mundo exterior, retratándonos casi con una agobiante fidelidad documental, los hábitos, rutinas y hechos diarios de los internos -así como también se preocupa de aportar luz al trabajo del funcionario de prisiones-, así como se empapa del argot y de ese reglamento no escrito de jerarquías y camaradería entre reos. Enrique García nos comentaba en la rueda de prensa posterior a la proyección del film, que se documentó junto a la guionista de la cinta -Isa Sánchez-, durante sus visitas a los reclusos cárcel de Alhaurín de la Torre (Málaga), y que poco a poco, iba descubriendo dramas y personas tras ellos. 321 días en Michigan versa, al fin y al cabo, sobre ello. Es un retrato fiel, sobrecogedor, de ese particular microcosmos humano que es en el fondo, un centro penitenciario.

Alberto González

O ouro do tempo, de Xavier Bermúdez

alberto — Tue, 25 Mar 2014 18:56:43 +0000

O ouro do tempo, de Xavier Bermúdez -un clásico en el Festival de Málaga-, intenta dilucidar en su metraje -tras un excelente y prometedor punto de partida- sobre el paso del tiempo, el valor del mismo y el vívido recuerdo del amor pasado, pero no termina de cuajar.O ouro do tempo -El oro de tiempo-, de Xavier Bermúdez, parecía sobre el papel, una de las apuestas más interesantes de todo el plantel de la sección oficial de largometrajes a concurso en este Festival de Málaga. La realidad, ha sido bien distinta. O ouro do tempo narra la historia de un doctor, que tras el temprano fallecimiento de su mujer, decide criogenizarla y mantenerla a temperaturas de bajo cero en el sótano de su propia casa con la esperanza de que, con el paso de los años, surja algún tipo de técnica o procedimiento que le permita traerla de nuevo a la vida.

Lo que podría ser un bonito cuento de ciencia ficción sobre el avance de la edad, el amor imposible y la asimilación del dolor, acaba convirtiéndose en una superflua y pretenciosa película que ni siente ni padece, y que por momentos parece más un compendio de someros experimentos visuales y narrativos, más propios del género de arte y ensayo, que de las habituales estructuras y formas de una película con una estructura formal. Quizás lo más brillante de O ouro do tempo sea su capacidad para el humor y la sorna, actitudes netamente gallegas -la película se desarrolla y transcurre en Galicia más rural y remota-, que trufan la historia y hacen más llevadera el lento desarrollo del guión. Pero seamos honestos, poco hay que alabar.

Ninguno de sus personajes -Ernesto Chao hace lo que puede para mantener la película él solito- consigue despertar ni una pizca de emoción en el respetable. De manera casi paradójica, O ouro do tempo se descongela y deshace a temperatura ambiente, consiguiendo que los motivos fundacionales de los que parte la cinta -y por consiguiente, su historia-, naufraguen y desaparezcan poco a poco mientras el reloj del metraje avanza inexorablemente.

Alberto González

Dioses y perros, de David Marqués

alberto — Tue, 25 Mar 2014 18:23:22 +0000

La esperada Dioses y perros, de David Marqués -basada en una novela de Jesús Martínez Balmaseda-, y protagonizada por Hugo Silva, marca la jornada de cine vivida hoy en el Festival de Málaga y su sección oficial de largometrajes con cierto sabor pugilístico.

El film de David Marqués nos cuenta la historia de Pasca -Hugo Silva-, un abatido exboxeador -ahora dedicado al sparring- del barrio de Vallecas. Su vida gira alrededor del cuidado continuo de su hermano -Elio González-, paralítico y en silla de ruedas, y de uno de sus mejores amigos -Juan Codina-, otrora también boxeador, en horas bajas por sus problemas con el alcohol. Entre golpe y golpe, la vida le cruza un gancho directo con la aparición de una amable profesora -Megan Montaner- que le hará replantearse su rutina y sus deseos de futuro.

La película de David Marqués -escrita a cuatro manos junto a Rafa Montesinos- muestra mucho, pero suelta poco. Por una parte, nos ofrece una historia sobre el abatimiento y la superación, con algún diálogo brillante -Hugo Silva da el perfil de boxeador lucho y resuelto- o alguna que otra secuencia destacable -como aquellas que comparten el propio Hugo Silva y Elio González-. Es aquí donde Dioses y perros se siente cómoda en el ring, mostrándonos a sus personajes como distintos púgiles que han encajado los diferentes golpes que les ha deparado vida de forma dispar y distante, estableciéndose y quedando patente, una muy interesante metáfora a lo largo del film. Sin duda alguna, es el sólido reparto y sus roles lo que sustenta gran parte de la función, que no brilla en ningún otro apartado.

Para nuestra pena, Dioses y perros, pese a lo entretenido de su argumento y lo conseguido de su ambientación, se diluye conforme pasan los minutos, y no termina de cuajar en ese supuesto retrato de desperados héroes de barrio del que hablaba su director desde la fase de pre-producción de la cinta. Sí, se soslaya algo de cine social durante el metraje pero su calado en el espectador es más bien nulo. Sus cartas se muestran ante los ojos del espectador sin sorpresa alguna, que se llega a encontrar un clímax frío y artificial, que difícilmente, satisfará a alguien. Dioses y perros es como ese combate ganado por K.O en los primeros momentos del duelo: acaba sabiendo a poco. Un brindis al sol cinematográfico muy entretenido -con un, repetimos, soberbio Hugo Silva-, que podría haber dado más de sí.

Alberto González

Kamikaze, de Álex Pina

alberto — Mon, 24 Mar 2014 19:23:41 +0000

¡Más ración de cine directamente desde el Festival de Málaga! Kamikaze supone el debut en la dirección de largometrajes de Álex Pina, -reputado guionista de algunos de los últimos hits del cine español, y de algunas de las series más memorables de nuestra televisión-, y aunque tiene detalles destacables que la hacen postularse como un futuro éxito de taquilla en nuestro país, la verdad es que no termina de cuajar en conjunto.

Kamikaze, una de las apuestas fuertes y sonadas para este Festival de Málaga por parte de Atresmedia, nos cuenta la historia de Slatan -interpretado por Álex García-, un desesperado terrorista suicida habitante de Karadjistan -no intentéis buscarla en un mapa, estudiantes de la LOGSE-, que movido por su odio hacia Rusia, decide inmolarse en un vuelo saliente de Moscú con destino a Madrid. Pero, bendito milagro meteorológico redentor, un tempestuoso temporal de nieve hará que se posponga su trágico destino, y que de paso, conozca y empatice con todo un variado crisol de culturas -con neto sabor español- compuesto por los tripulantes del retrasado vuelo.

La película del debutante Álex Pina, se sustenta, principalmente, en un maravilloso reparto, que el director coge, funde y engarza con atino. Tenemos, danzando por la nieve y por el aislado hotel donde se desarrolla la película, a reputados actores y actrices de la talla de Héctor Alterio, Carmen Machi, Leticia Dolera o la cada vez más sólida ante las cámaras, Verónica Echegui. Extraña mezcolanza, sin duda, pero funcional en la mayoría de las situaciones y secuencias -algunas, lo reconocemos, tremendamente divertidas-. Es el line-up de caras conocidas de la pequeña y gran pantalla, junto al magnetismo del rol principal de Álex García, el mayor atractivo de Kamikaze.

Desgraciadamente, tras un prometedor inicio -los quince primeros minutos de Kamikaze funcionan como una película independiente del resto-, y un segundo acto más que aceptable, Álex Pina fracasa a la hora de demostrar capacidad de resolución en el tramo final de la cinta, con un desenlace apresurado y tontorrón, que resta enteros a la cinta. Kamikaze coquetea con multitud de géneros – desde el thriller a la comedia coral y de situación, principalmente-, y no termina de cuajar en ninguno, sintiéndose más cómoda y sincera cuando aboga por el humor y no por el dramatismo. Es una pena, repetimos, porque Álex Pina ha demostrado tener clase y pulso a la hora de establecer algunos retratos y comportamientos tan propios de la sociedad española -como eso de volcarse con el prójimo a cualquier precio, por ejemplo-, pero fracasa, estrepitosamente, en el desarrollo de esos mismos personajes, que llegan a parecer meras perchas para el sketch y la risa.

Quizás con un trabajo más concienzudo en la génesis del guión y de la película, Kamikaze podría haber sido una mejor película, sin desmerecer para nada el resultado final que se verá en las pantallas de toda España -pues sigue siendo muy disfrutable de cara al espectador si va con unas expectativas medianamente razonables-.

Alberto González

10.000 kilómetros, de Carlos Marques-Marcet

alberto — Mon, 24 Mar 2014 17:57:00 +0000

El cuarto día en el Festival de Málaga, nos ha traído una de las jornadas fílmicas más notables de lo que llevamos de certamen. El primer plato de degustación cinematográfico ha sido 10.000 kilómetros, de Carlos Marques-Marcet, ópera prima de su realizador, y que nos transporta, con franca verosimilitud, a los complicados derroteros de las relaciones a distancia.

En pleno debate sobre lo artificial e inmaterial del amor, y con los asistentes de voz encandilando a medio mundo a través de los smartphones -Her, de Spike Jonze, es la prueba fehaciente-, 10.000 kilómetros, primer largometraje de Carlos Marques-Marcet -que tiene algunos cortos anteriores dignos de ver-, llega para contarnos un nuevo plano en el entrevenado mundo digital de las relaciones remotas. Protagonizada por Natalia Tena y David Verdaguer, 10.000 kilómetros narra las desventuras de una -aparentemente- sólida y establecida pareja, que ve rota su rutina amorosa diaria, cuando a ella, fotógrafa, le hacen una propuesta de trabajo desde Los Ángeles que decide aceptar. Pronto, los planes de futuro de ambos se verán truncados, cambiados y aplazados, sobrevolando sobre ambos el temor de la ruptura.

10.000 kilómetros encandila desde sus primeros minutos, planificados con una exactitud milimétrica y un realismo exacerbado -quizás en demasía-, y atrapa sin remedio al espectador en esa rutina digital de las llamadas y las videoconferencias a través de Skype, tan en liza en estos tiempos. Carlos Marques-Marcet explora, con algunos trucos visuales y narrativos bastante lúcidos, las rutinas en las que derivan este tipo de parejas separadas, y al mismo tiempo unidas, por la pantalla de un ordenador. Impagables los momentos en los que Facebook, Whatsapp o Google Street se convierten en protagonistas y contenedores de emociones, mientras el espectador permanece como testigo. Pero hay más, y quedarnos con eso, simplemente sería arañar en la superficie de 10.000 kilómetros.

Casi sin ninguna duda -es algo que casi se repite como mantra por la industria del cine-, lo más difícil de una película, es hacer que sus protagonistas, cobren vida. Que sean realistas, tangibles y creíbles dentro del contexto y de la historia que se nos presenta en pantalla. Un buen guión puede solventar la papeleta, distrayendo o entreteniendo -cual experimentado trilero de barrio chungo- al espectador con la narrativa o lo superfluo. 10.000 kilómetros atesora dos grandes personajes, tan verosímiles como humanos, con motivaciones, buenos sentimientos, deseos, miedos, inseguridades y arrebatos de egoísmo. No son simples caricaturas, ni maniquíes de buena percha. El propio Marques-Marcet -seguidor confeso del método Stanislavski-, comentaba en la misma rueda de prensa, que intentaba que los actores sufrieran de esa incomunicación real apartándolos uno del otro a la hora de rodar las pantagruélicas y dilatadas secuencias de chat que trufan el film. Y funciona, porque tanto Natalia Tena como David Verdaguer, demuestran mucha química cuando están juntos en pantalla -cosa algo paradójica dado el argumento que se trata en película-.

Los responsables y los protagonistas de "10.000 kilómetros" en la rueda de prensa durante el Festival de Málaga

Así pues 10.000 kilómetros plantea, con notable atino y amargo tono, temas tan profundos como la dudosa viabilidad a largo plazo de este tipo de relaciones o las enormes faltas o carencias de esas pequeñas cosas que forjan y aderezan la vida en común de una pareja -que solemos dar por sentadas-, y que desgraciadamente se tienden a obviar y olvidar -por imposibilidad e impedimento- cuando nos ponemos delante de una pantalla de ordenador.

Alberto González

Carmina y amén, de Paco León

alberto — Sat, 22 Mar 2014 15:23:59 +0000

Pese a lo que digan por ahí, por ciertos rincones, despachos, productoras y estamentos, Paco León revolucionó el panorama cinematográfico con una de las mejores películas del más reciente cine patrio, Carmina o revienta. Nosotros, en Cinefilo, tuvimos la suerte de verla en primicia hace un par de Festivales de Málaga, y hoy, varios años después, Carmina con particular actitud y carisma, vuelven a la pantalla grande en una segunda parte, Carmina y amén, mucho más madura, completa y redonda.Paco León, seamos sinceros, lo tenía muy difícil para superar el encomiable resultado fílmico de su ópera prima. Carmina y revienta nos ofrecí o un retrato realista, contemporáneo, de una mujer resuelta y dura -casi una heroína de barrio y tasca-, como lo es Carmina -personaje interpretado por Carmina Barrios, madre del propio Paco León-. Bajo esa premisa, Carmina, reventó el Festival de Málaga, biznaga incluida. No era para menos. Por si fuera poco, su director, concibió un sistema de distribución poco habitual -y agradecido-, en el que el estreno en cines, DVD y plataformas digitales, se solapaban en una única algarabía cinematográfica que permitía a cualquiera disfrutar de la película en el formato que más le pareciese. Bravo, y dos veces bravo.

Carmina y amén, segunda parte que pone fin -en palabras del propio Paco León- a este particular díptico sobre el escatológico personaje, es si cabe, mejor película que su antecesora. Carmina y amén arranca con una tragedia. Una tragedia que marca el ritmo de la cinta, y que permite a Carmina, volver a interpretar el papel de la Reina de Corazones -corre todo lo que puedas para sobrevivir y permanecer en el mismo sitio-, haciendo gala de su sentido de la pícara y la supervivencia, y brindándole la oportunidad de evolucionar como personaje. Algo así le pasa también a su hija -interpretada por María León-, que empieza a comprender su papel como heredera y futura Carmina en el complicado mundo que le ha tocado vivir. León intercala momentos muy dramáticos y duros -el director no es aficionado a la moralina barata, pero sí sabe transmitir ciertos mensajes de calado con una delicadeza inusitada en el horizonte de nuestro cine más reciente-, con otros de hilarante humor escatológico, seña de identidad de las desventuras de ese monstruo de barrio y venta que es Carmina. Cinema verité de mechas californianas, vasos de duralex, leggins y mesa camilla con café y pastas. Y con cigarros, muchos cigarros.

Carmina y amén lleva a sus queridos personajes a otros planos narrativos -la voz en off se diluye, y se acabaron los primeros planos directos a la cámara, pero tranquilos, María León sigue igual de bella y soberbia en pantalla como siempre- y situaciones comprometidas. Es así un ejercicio fílmico que deja patentes las propias artes de Paco León, que comienza a enarbolar un estilo al dirigir mucho más refinado, maduro y coherente y nos regala algunas sentidas y estéticamente irreprochables secuencias sobre lo efímero y lo fugaz de la vida. Se acabó la parodia del género documental -algo que se le criticó mucho en su día-. Carmina y amén es más clásica, canónica y habitual, simulando ser a veces una suerte de parodia del western crepuscular -de esos de héroes difíciles en momentos difíciles, cigarro y revólver en mano-, sensación que se acrecienta al escuchar algunos de sus bien elegidos cortes para la banda sonora. Al hilo de la estética y el estilo cinematográfico, cabe destacar que Paco León también es más arriesgado en su labor como director, y soslaya con maestría en el guión de esta segunda parte, diversos temas candentes en la sociedad española, sin caer en lo banal o lo políticamente correcto. Es una finísima línea que no muchos saben trazar -es muy fácil caer en la propaganda o en proselitismo político más rancio, algo habitual en el polarizado cine español-, pero en Carmina y amén se solventa la papeleta con humor, sorna y mala leche. Berlanga -que en paz descanse-, estaría orgulloso.

Alberto González

No llores, vuela, de Claudia Llosa

alberto — Fri, 21 Mar 2014 16:30:35 +0000

Un año más, con la llegada de la primavera en la Costa del Sol, comienza el Festival de cine español de Málaga y su sección oficial a concurso, con el esperado preestreno de “No llores, vuela” de la ya veterana directora peruana, Claudia Llosa.

“No llores, vuela”, tiene el complicado papel de romper el hielo, y nunca mejor dicho, de un Festival de cine español de Málaga que se encamina hacia su madurez y mayoría de edad. El problema de abrir con una película con tanta enjundia, es que corres el riesgo de prometer un nivel de calidad irreal -falso reflejo de lo que se nos viene encima-, o de que el personal asistente a la primera película del maratón cinematográfico que se les presenta durante estos días de marzo, acabe helado y distante a lo contado en la pantalla -y muy probablemente, con la escopeta cargada para futuras sesiones-.

El film de Claudia Llosa, vaya por delante, no es en absoluto malo. Es hasta notable. De hecho, “No llores, vuela” es una película con pasado -se presentó en Berlín, también en la sección oficial a concurso- y futuro -sobre todo ahora que, en palabras de su propio productor, Sony la adquirido para llevarla a un estreno internacional-, destinada a despuntar en algún que otro festival como principal atractivo. Pero no todo es blanco o negro, y de matices, externos e internos, está lleno su dilatado -y a veces anodino- metraje.

“No llores, vuela” cuenta la historia de una atormentada madre -Jennifer Connelly- y sus dos hijos, uno de ellos con un tumor en estado muy avanzado. Desesperada, y ante la negativa de médicos y cirujanos a operar -por lo poco beneficioso de un tratamiento terminal-, como madre comenzará a buscar alternativas, que la llevarán a una espiral interior que la hará plantearse sus propias creencias, así como su papel en la vida. Pero hay más. “No llores, vuela” no es un simple film sobre la conexión con la tierra -el panteísmo más telúrico sobrevuela la cinta varias veces-, también narra el particular y traumático sendero que recorre el personaje de Cillian Murphy, uno de esos dos tiernos infantes, que ya en su madurez, recordará los hechos de un traumático suceso que marcó su vida. Dedicado a la cetrería -el único vínculo que mantiene con su infancia-, intentará reunirse de nuevo con su madre, ayudado por la aparición de una periodista -la inigualable Mélanie Laurent-, se embarcarán ambos en un tortuoso viaje a través del hielo, el viento y la tundra, para poner fin y solución a un oscuro capítulo de sus vidas.

El problema de la cinta de Claudia Llosa -que por momentos se siente Terrence Malick-, es su falta de ritmo y cohesión en lo dramático narración, que aunque de inteligente planteamiento, acaba por desconectar al espectador por lo artificiosamente melodramático de su resultado. “No llores, vuela” toca temas delicados -¿hay algo más humano que la superación de la pérdida? ¿hay algo más terrible que la incertidumbre de la misma vida?-, y no lo hace mal del todo, pero no termina de culminar, permaneciendo en un plano demasiado distante. De todas formas, y siendo honestos, “No llores, vuela” atesora bellas metáforas modernas, buenas actuaciones y alguna que otra secuencia inspirada, capaz de brillar y otorgar calidez a un conjunto y un subterfugio cinematográfico bastante esperanzador.

Alberto González

Pacific Rim, de Guillermo del Toro

alberto — Wed, 14 Aug 2013 08:44:19 +0000

Guillermo del Toro, con Pacific Rim, nos regala una oda pantagruélica a las películas de monstruos japoneses y al cine de animación oriental bajo el aparatoso prisma habitual de una mega-producción hollywoodiense.

Guillermo del Toro es un tipo -como él mismo se denomina-, un tanto especial. Su pasión por el cine trasciende la barrera del propio lenguaje cinematográfico, y por doquier pueden contarse sus apariciones en eventos, charlas, congresos y proyectos donde se afana por explicar sus aficiones, tics y referencias en relación al séptimo arte. Digamos que, en cierta manera, se preocupa por hacer algo más que rodar películas ya que las vive y siente como nadie. Cuando Peter Jackson y él anunciaron una colaboración estrecha para filmar “El Hobbit”, muchos se tomaron la noticia con cierto escepticismo -algo lógico, más vale malo conocido, que malo por conocer-, pero otros tantos guardaron una fe casi dogmática en que, el director mexicano, acabaría haciendo las cosas bien con total seguridad. ¿Quién mejor para llevar la fábula de Tolkien que un realizador especializado en narrar y hacer películas con aspecto de fábula?

Desgraciadamente, Del Toro abandonó el proyecto, y se internó en la arriesgada adaptación de “En las montañas de la locura”, de H.P. Lovecraft, autor fetiche para el director -las influencias del escritor de terror en sus películas de Hellboy son más que evidentes-, en la que depositó sendas esperanzas e ilusiones. Guillermo del Toro es un fanático del llamado “terror cosmogénico” donde las figuras humanas somos meras marionetas y alimento para una serie de criaturas y dioses antiguos, procedentes de más allá de las estrellas. El argumento de “En las montañas de la locura” prometía terror, misterio y arqueología, llevándonos a la Antártida, donde un grupo de científicos descubrían unos extraños cuerpos enterrados en mitad de la nieve. Desgraciadamente, la producción tampoco llegó a buen puerto, siendo todo un mazazo personal y sentimental para Guillermo, que se dedicó a producir y firmar colaboraciones -como la infravalorada Mamá- mientras gestaba otra película, más ambiciosa y grande si cabe, que lo devolvería a la primera línea del panorama cinematográfico.

Pacific Rim nace como lo hacen las grandes gestas fílmicas de los últimos tiempos: como fruto de un delirio personal. Para entender el germen de semejante capricho, y para comprender al mismo tiempo la naturaleza de una película como Pacific Rim, hay que comprender en primera instancia, las motivaciones personales del propio director. Guillermo del Toro ha confesado -en repetidas ocasiones- sentirse atraído por las películas de monstruos gigantes procedentes de tierras niponas, cautivando su imaginación desde que era un tierno e imberbe infante. Se ha criado con ellas, y forman parte de su subconsciente cinematográfico.

No es de extrañar. Descontando el poderío cinematográfico de películas como “King Kong” -si estableciésemos lazos y conexiones podríamos sacar al menos un par de nombres de directores de primer nivel que empezaron a rodar y filmar influenciados por el gorila gigante de la RKO-, Guillermo del Toro siempre se ha declarado un fanático confeso de las cintas procedentes del género conocido como kaiju eiga -lo que sería la definición de películas de monstruos en japonés, y del que toma prestado el término kaiju para su propia mitología en Pacific Rim -, en especial de las producciones de la Toho o la Daei, con Godzilla y Gamera -respectivamente- como principales estrellas de ambos estudios.

Desde la original “Japón bajo el terror del monstruo” (Gojira, 1954) de Ishiro Honda a las grandes congregaciones multitudinarias de látex donde decenas de criaturas se batían el cobre en mitad de las ciudades japonesas más laureadas -en miniatura y realizadas en cartón piedra, claro está-, Guillermo del Toro, al igual que toda una generación, creció con estas películas, amasando y asimilando sus propios clichés y reglas que, a posteriori, marcarían su forma de hacer cine. Las kaiju eiga proliferaron en el Japón de los años sesenta y setenta, contando ambas décadas con el mayor grueso de producciones, sagas y secuelas de Gamera, Godzilla y compañía. Entre medias, y a medida que el género kaiju comienza a perder popularidad en Tokyo y en otras partes del mundo -donde este tipo de producciones eran carne de reposición televisiva o programa doble de matinal-, comienza a destilarse una cierta tendencia a la inclusión de los robots gigantes, que pasan a un primer plano.

Ya sea hablando dentro del propio cine o de las series de anime a las que dieron pie los robots -no se puede olvidar la cita a la estrella de la época de los setenta, “Mazinger Z”, o de la inclusión de renombradas versiones robóticas y mecanizadas de monstruos como Godzilla, que contó con su propio Mecha-Godzilla-, el robot o autómata, conocido también como “mecha”, empezó a cautivar a grandes y pequeños, haciéndose un hueco en la cultura japonesa que ha durado hasta nuestros días, postulándose a la postre como uno de los iconos más reconocibles del imaginario nipón. Así pues, nadando entre esos dos conceptos, el del mecha y el del monstruo gigante, nace Pacific Rim, un brillante entramado de guiños, homenajes y detalles procedentes de estos dos gigantescos elementos culturales tan populares y asentados.

El argumento -o más bien, pretexto- de Pacific Rim es tremendamente sencillo, al mismo tiempo que ingenioso. En un futuro cercano, la humanidad se ve asediada por el ataque de una serie de monstruos gigantes denominados Kaijus. Procedentes de una dimensión desconocida, llegan a nuestro planeta a través de una brecha localizada en el océano Pacífico, y convirtiéndose en todo un problema para las naciones de todo el mundo, que se afanan por buscar una solución viable a la colosal amenaza. Tras varios fracasos con determinados programas militares, se aprueba la construcción de los Jaeger, unos aparatosos robots pilotados de manera simultánea por dos humanos conectados de forma neurológica. Entrelazando sus hemisferios cerebrales, y compartiendo hasta sus recuerdos más íntimos, ambos pilotos consiguen poner el funcionamiento el mecanismo del enorme robot, y enfrentarse, cientos de toneladas de acero puro mediante, a los temibles kaiju. Estos tanques bípedos son la última esperanza de la humanidad, y en sus frías manos, está la clave para vencer a las criaturas que nos acechan en las costas del Pacífico.

Guillermo del Toro, en una introducción rápida -al estilo de algunos de los anime más famosos y recientes, como “Evangelion”- establece su propia mitología y apocalíptico escenario, explica los detalles necesarios para comprender las motivaciones de los personajes, y se lanza a ofrecernos un espectáculo audiovisual sin parangón en los últimos años. Pacific Rim funciona como película a varios niveles y estratos. El film, en primera instancia, sirve como contenedor popular para una serie de elementos repetidos como clichés recurrentes y reiterativos en el propio género kaiju -el trauma familiar, la amenaza nuclear que también sirve como única salvación para la humanidad-, y de hecho, incluso se podrían trazar varios ejemplos y similitudes con el clásico de referencia, “Japón bajo el terror del monstruo”, donde pese a existir armas y soluciones bélicas capaces de pararles los pies al gigantón nuclear, es finalmente un científico con ganas de venganza -pero al mismo tiempo, profesa un extraño sentido de admiración con respecto a la criatura- el que logra descifrar la clave de la amenaza kaiju.

Los personajes en Pacific Rim son, paradójicamente, meras marionetas del espectáculo, desfilando por la pantalla únicamente para servir de excusa la acción que desborda al espectador en pantalla. Deliciosamente estereotipados, roles como el interpretado por Idris Elba -el rudo y paternalista mariscal, Stacker Pentecost-, o el de Mako Mori -encarnada por la eficiente y bellísima Rinko Kikuchi- ayudan a trasladar de forma visible el marcado sentimiento dramático de este sub-género kaiju, que lleva al paroxismo absoluto todo lo relacionado con las motivaciones y traumas personales. Charlie Hunnam -el descubrimiento de la película, pese a que se encuentra algo perdido con respecto a sus compañeros- tampoco se libra de esos demonios del pasado, y también arrastra su propio estigma personal que lo martiriza. En otra película, tamaña argamasa de recuerdos, pasiones y discursos tal vez quedase algo ridícula -quizás con la excepción de la mítica “Top Gun”-, pero en Pacific Rim casa y funciona la perfección, dotándole de mayor cohesión y verosimilitud a tamaño capricho y homenaje cinematográfico a la cultura japonesa.

Una vez tenemos el escenario, los personajes y la propia historia en sus respectivas colocaciones y puntos de partida, Guillermo del Toro procede a abrumar con sendas coreografías de batalla y milimétricas secuencias de acción, donde cada Jaeger y Kaiju se encuentran en el momento oportuno y en el ángulo correcto para sus intercambios de golpes. Las reiteradas batallas de Hong Kong o la vista en Alaska -que abre la película sirviendo de introducción- son tremendamente impactantes, inteligentes y colosales. A ello, en parte ayuda su cuidado diseño artístico y de producción, que bebe y transforma las más variadas influencias de las películas y series del género kaiju y mecha, añadiendo clichés y cameos de cosecha propia: los Jaeger y su forma de pilotaje, los Kaiju y acertada concepción física -aficionados a la Toho y al cine del recientemente fallecido, Ray Harryhausen, podéis sacar brillantes y veladas referencias, no perdáis ojo-… No hay ninguna pieza dejada al azar. Guillermo del Toro sabe introducirnos de una forma especial como testigos omniscientes y supervivientes entre los gigantescos escarceos de monstruos y robots, dotando de una escala real, tangible y panorámica a las batallas que ofrece, algo que hasta la fecha, no se había visto con demasiada verosimilitud en la pantalla grande, y que a la postre, es todo un plus para la versión tridimensional de la cinta -pese a que no se ha rodado de forma nativa-. Siguiendo el hilo del plano técnico, la fotografía, obra de su inseparable y colega Guillermo Navarro -que recibió el Oscar en 2006 por su labor en “El laberinto del fauno”-, fusiona una vez más con acierto colores cálidos y fríos, buscando ese halo de fábula habitual en las películas del cineasta responsable de “Cronos” y que por norma general, suele sentar tan bien a su filmografía. Es algo así como su impronta estética, y en esta Pacific Rim, sigue funcionando de manera más que correcta.

Pacific Rim, sin temor a equivocarnos, nos parece uno de los blockbusters más coherentes, sólidos y sanos de los últimos tiempos. No es una cinta pretenciosa, ni tampoco busca aleccionar con el discurso moralizante o ecologista habitual en el género. Simplemente está pensada y rodada, para hacernos disfrutar. ¿Ingenua? Tal vez. Pero entretener es su única pretensión, y lo cierto es que lo consigue con creces. Todo en Pacific Rim, goza de cierto lustre, y está impregnado de forma brillante por el imaginario del director mexicano, que repetimos, es el vehículo perfecto para aglutinar más de cincuenta años de monsters-movies en un atronador espectáculo audiovisual durante sus dos horas de metraje. Quizás suene aventurado decir que estamos delante de su película más inspirada y sólida, pero en cambio, sí que estamos seguros de que el niño que todos llevamos en nuestro interior -ese que se encerraba en su cuarto a jugar con sus soldados de plástico, robots de hojalata y dinosaurios de goma-, saldrá más que satisfecho de este honrado y esplendoroso viaje al corazón de un género despreciado y olvidado por muchos, pero que al mismo tiempo, es parte indivisible e inherente de nuestra cultura popular.

Crítica escrita por Alberto González