Hacía, al menos, nueve años que no nos llegaba a los cines una nueva cinta de Taylor Hackford, conocido no sólo por ser el marido de la actriz Helen Mirren, sino por ser el responsable de títulos míticos como Oficial y Caballero (1982) o Contra todo riesgo (1984). Ahora regresa para contarnos una historia de venganzas y robos, con dos intérpretes de considerable éxito en taquilla.

Parker (Jason Statham) es un tipo duro, que vive de cometer robos bien planificados. Su último “trabajo” casi le cuesta la vida por culpa de sus compinches que intentan acabar con él. Dado por muerto, va a parar a una vendedora de pisos (Jennifer Lopez) que le ayudará a consumar su venganza.

Basándose en la novela de Donald Westlake (de hecho la cinta está dedicada a él), Hackford ha construido un thriller sobre ladrones bastante simplón. Quizá sea en esa simpleza donde resida la principal virtud de Parker, una cinta que parece rodada en los noventa pero que es efectiva de principio a fin, sin ningún tipo de artificio. El logro de Hackford es devolvernos un thriller sencillo, y convencional, a la vez que efectivo y entretenido.

No es la primera vez que el séptimo arte adapta a Westlake, curiosamente Payback (1999) también tocaba el tema de la venganza, pero con un algo más “finolis” Mel Gibson en vez de un rudo y carismático Jason Statham. Su presencia, junto con la de Jennifer Lopez (en un papel bastante soso, por cierto) quizá sea el principal reclamo del filme.

Parker no es una película que decepcione, aunque realmente le cuesta desvelarnos su planteamiento (parece que todo tarda en producirse), sus primeros minutos ya nos descubren una cinta con escasa aspiración, pero con un muy buen fondo.

Películas con ladrones hay muchas en el cine, y hasta Statham ya había tocado este subgénero a los mandos del volante de un Mini Cooper en The Italian Job (2003). Su porte y su buen hacer (dentro del género, se entiende), conforman el principal pilar sobre el que se sustenta Parker. Cine para ver en momentos en los que queremos abstraernos de lo exageradamente artificial que resultan hoy en día los thrillers en Hollywood.

Si que puede ser que la película no genere cierto interés en algunos momentos. A pesar de que todo está bien hilvanado y contado, en algunos momentos la cosa no parece avanzar mucho, hasta Statham no tiene excesivas escenas de peleas, algo que suele ser un aliciente para verlo en pantalla. Aún así, Hackford ha hecho un buen trabajo, dando un giro de nuevo en su carrera (recordemos que Ray (2004) era lo último que habíamos visto de él), llena de variedad.

Valoración: 5 sobre 10
Crítica escrita por Luis Jiménez.

La última gran jornada del Festival de Málaga, se reservaba una de las cintas más esperadas de los últimos años en el panorama cinematográfico patrio: La mula. Basada en una novela homónima de Juan Eslava Galán, La mula ha sufrido un turbulento y turbio proceso de producción y montaje, que la ha llevado a permanecer parada en los despachos durante años, experimentar el abandono de su director -Michael Radford- e incluso, recibir una mención de película dañina por parte del Ministerio de Cultura español -que la paralizó hace más de dos años en sus dependencias gubernamentales-. Ahora, tras este particular vía crucis cultural, político y creativo, la película parece encaminarse hacia un estreno oficial en salas para el próximo mayo, y desde estas líneas, lo agradecemos.

La mula atesora una historia sincera, sentida y cimentada en hechos reales. Siguiendo de forma exacta -salvo momentos puntuales- los hechos de la novela de Juan Eslava Galán -que según nos comentó en rueda de prensa, relata las vivencias y recuerdos de su propio padre- y protagonizada por Mario Casas, La mula cuenta la historia de Juan Castro, un humilde cabo, que durante los últimos coletazos de la Guerra Civil española, topará con una mula blanca perdida en mitad de la batalla. Con apenas dinero en el bolsillo, y acompañado por sus fieles amigos y compañeros del frente -una cuadrilla única, encabezada por el siempre eficiente Secun de la Rosa-, Castro intentará conquistar a una chica de buena familia -María Valverde- y labrarse el mejor porvenir con su recién descubierta mula, para poder vivir en el futuro con total libertad.

Mario Casas sigue madurando como actor -él mismo lo ha comentado y cerciorado en la posterior rueda de prensa-, y su papel en esta película, no puede ser mejor ejemplo de ello. Aunque La mula se rodó hace un tiempo -justo en el ascenso meteórico de esta promesa del cine español-, el trabajo de Mario Casas en La mula es la constatación física y artística de un actor que puede dar muchísimo de sí, y que ofrece -por si alguno todavía no lo sabe, o lo duda- algo más que una simple cara bonita. El actor consigue elaborar un personaje enternecedor, destacando su realista y mimético acento jiennense -que borda-, y nos regala algunos de los mejores y más álgidos momentos de su carrera cinematográfica.

La mula funciona como alegoría libertaria y como parábola picaresca sobre la naturaleza del ser humano, y todo ello, pese a unos horribles y evidentes problemas técnicos, como una más que deficiente calidad de imagen -que casi parece un telecinado pirata- y un montaje un tanto caótico y sinsentido. La película, de autoría anónima -aunque respaldada de forma evidente por el propio autor de la obra, Juan Eslava Galán- nos cuenta, casi en forma de fábula, una preciosa y detallada historia sobre personas sencillas en tiempos difíciles. Cómica y trágica, realista y fantástica, La mula es una de las mejores películas españolas de los últimos años.

Crítica escrita por Alberto González

]]> http://www.cinefilo.es/criticas-cine/la-mula-de-direccion-anonima/54206/feed/ 1 http://www.cinefilo.es/criticas-cine/sola-contigo-de-alberto-lecchi/54201/ http://www.cinefilo.es/criticas-cine/sola-contigo-de-alberto-lecchi/54201/#comments Fri, 26 Apr 2013 17:30:32 +0000 alberto http://www.cinefilo.es/?p=54201 Encabezamos la recta final del Festival de Málaga, que arrancaba el día de hoy presentando en la sección oficial a concurso concerniente a los largometrajes, la película de Alberto Lecchi, Sola contigo, protagonizada por Ariadna Gil. De tramos desérticos, y ritmo ausente, la película del director argentino nos ha dejado fríos y poco satisfechos.

Sola contigo, sálvase esa parte, presenta una premisa o un punto de partida excelente en su historia: María Teresa -Ariadna Gil-, es una exitosa mujer responsable de un importante puesto en una empresa argentina. Tiene un despacho, una buena casa y el poder de tomar decisiones arriesgadas. Ella decide. Pero oculta un oscuro pasado, que parece perseguirla y no concederle ni un ápice de tranquilidad en su, aparentemente, buena vida.Un día recibirá una llamada, y una serie de amenazas, que la harán reencontrarse con sus propios demonios. Y hasta aquí podemos leer.

La película de Alberto Lecchi coquetea con el cine negro, de investigación, asesinatos y escarceos amorosos, pero no termina de presentar ni dar coherencia a una trama que se va desvaneciendo y perdiendo conforme avanza el rollo de metraje. Sola contigo no tiene ritmo, y no ofrece nada de interés de cara al espectador, que si es sensato, optará por desconectarse de forma absoluta de una cinta que no tiene nada que contar. Por mucho que hablemos de una película argentina -donde el diálogo, en teoría, fluye de manera automática de las bocas de los personajes-, la verdad es que Sola contigo se nos antoja bastante desértica y yerma.

Puede sonar duro, pero Sola contigo no tiene nada destacable. Ni los supuestos momentos álgidos, ni las supuestas secuencias sorpresa y aclaratorias -el final intenta emular esa tendencia deus ex machina presente en el cine actual-. Y ese es el mayor problema de Sola contigo. Ariadna Gil hace lo que puede, pero ella sola no es capaz de sustentar ni cimentar una película que hace aguas por todos lados, y que no encuentra el ritmo ni el tono corrector para relatarse de forma correcta.

Crítica escrita por Alberto González

Gracia Querejeta es una de esas directoras de probada eficiencia, dilatada carrera y demostrable calidad cinematográfica. Sus películas, de naturaleza heterogénea, siempre suelen guardar un nexo común. Una impronta única en la forma que tienen de expresarse ante los ojos del espectador. Su última película, 15 años y un día, atesora ese valor añadido especial, ese cariz único, pese a que el resultado final, esté lejos de sus mejores y anteriores trabajos.

15 años y un día es la adolescencia hecha cine. Querejeta, partiendo de su propia experiencia y de una anécdota que no nos contó en rueda de prensa -pero en la que reconoce haberse inspirado de alguna manera-, nos narra la historia de Jon -Aron Piper-, un conflictivo adolescente de actitud reprochable. Su madre, -Maribel Verdú-, harta de sus escarceos y tras su expulsión escolar, decide enviarlo a la Costa de la Luz como terapia de choque, junto a su padre, un severo y cuadriculado militar retirado -interpretado por un experimentado Tito Valverde-. 15 años y un día, sirve como cuento estival, donde la madurez se alcanza y consigue al vivir un traumático suceso, y donde la relación entre los personajes, sustenta gran parte de la trama.

Y es que, de lejos, los trabajos actorales y dramáticos de Tito Valverde o Maribel Verdú, son lo mejor de la cinta, que queda lejos de ofrecer el relato consistente y moralista que parece mostrar o contar. Las tramas -varias, que se entremezclan y superponen unas con otras de manera brusca- no consiguen crear un elemento común que justifique al espectador las muchas acciones y decisiones de los personajes, que acaban actuando y desfilando en el devenir de la película de una manera un tanto inconexa.

Pese a su evidente falta de consistencia argumental o discurso interno, 15 años y un día se deja ver, es entretenida y sensible, y muestra, al mismo tiempo, algunas líneas de diálogo y secuencias muy disfrutables. Quizás no sea el canto a la madurez y a la adolescencia que esperábamos de Gracia Querejeta, pero sí que refleja gran parte de sus cualidades como directora y guionista.

Crítica escrita por Alberto González

Stockholm, el arriesgado proyecto de Rodrigo Sorogoyen, nos ha ofrecido uno de los mejores momentos cinematográficos de lo que llevamos de Festival de Málaga. Su película, financiada con el dinero de productores, actores y miembros del equipo -además del cada vez más típico crowdfunding- se aleja del modelo tradicional habitual en este país, y nos regala una compleja -aunque realista- historia sobre una noche, un encuentro y sus consecuencias.

Protagonizada por Javier Pereira y Aura Garrido, Stockholm nos relata lo que en principio, podría ser una noche estándar para cualquiera de los jóvenes que viven y pululan por nuestro país. Chico, con ademanes de chulería y picaresca, intenta ligar con una enigmática chica, que con su propia y consabida estrategia, intenta no hacerse la fácil, derrochando una seguridad que acaba por convertir la noche en todo un reto para el personaje de Javier Pereira. Así, la primera parte de Stockholm -que tiene un esquema teatral y netamente realista- se desarrolla entre encuentros y desencuentros, diálogos fluidos y secuencias arrebatadoras entre los dos principales -y únicos- protagonistas. Llegados a cierto momento del metraje, la película toma un más que brusco y angustioso giro de 180º grados, que nos acaba regalando un segundo acto plagado de consecuencias y herencias directas del primer tramo de la cinta, y a la vez ejemplos perfectos, finales y resolutos, de que nada es lo que parece y de que cada acción siempre trae consigo una reacción equivalente.

Desvelar más de la trama nos parece de mal gusto, porque si algo tiene esta Stockholm -más allá de su impecable puesta en escena o sus inconmensurables actuaciones- es su sólido, entramado y complejo guión, que de aparente sencillez, goza de un empaque pocas veces visto en el cine español más reciente. De marcado estilo europeo, Rodrigo Sorogoyen nos presenta en Stockholm un rara avis cinematográfico que debe ser experimentado por cualquier espectador que se considere amante del cine hasta sus últimas consecuencias.

Crítica escrita por Alberto González

Inevitable, la película con la que hemos empezado la mañana -y la única que entraba dentro de la selección oficial a concurso de hoy en el Festival de Málaga-, es uno de esos films que necesitan un cierto reposo tras su visionado. Inevitable, basada en una obra de teatro escrita por Dario Diament, nos cuenta el devenir amoroso de una pareja aparentemente perfecta, como lo es la de Fabián -Darío Grandinetti- y Mariela -Carolina Peleritti-, que entrará en crisis. Fabián, marcado por el fallecimiento de un compañero de trabajo -él es un serio y eficiente banquero argentino-, decidirá abrir su mente a las teorías de un inesperado amigo -Federico Luppi-, escritor de profesión, que lo insta a buscar su amor verdadero. Entre medias, Mariela, recibirá la visita de una mujer española que se arrepiente enormemente de no haber seguido al que bien podría haber sido su hombre perfecto.

Así se inicia Inevitable, una historia algo oscura sobre la pérdida del control, la obsesión, el engaño y el amor, que no olvida en ningún momento sus raíces teatrales, y que nos regala algunos lúcidos momentos en su enrevesada aunque sólida trama. Darío Grandinetti -uno de esos actores argentinos de probada eficiencia- consigue reflejar de forma excelsa con su actuación la autodestrucción de un hombre que lo tiene todo en la vida, y tanto la española Mabel Rivera, como el mítico Federico Luppi -uno de los atractivos de esta producción- desbordan con su presencia. Ambos, de dilatada carrera y experiencia, tienen tablas, y eso, se nota.

De sensación agridulce, y temática romántica -aunque la definición no sea del todo exacta- Inevitable está lejos de surtir el efecto deseado sobre el espectador. Hablar sobre los encuentros y amores futuros, posibles e imposibles, no es una tarea sencilla, y esta Inevitable peca de ser una obra demasiado literal -pese a los añadidos y cambios realizados en el guión por el propio director para evitarlo-.

Crítica escrita por Alberto González

Somos gente honrada se estrenó hoy en el Festival de Málaga como la única película del día en sección oficial a concurso en el Teatro Cervantes. Su historia, fiel pulso de la realidad, nos cuenta la delicada situación en la que viven dos buenos amigos. Suso -Paco Tous- y Manuel -Miguel de Lira-, dos padres de familia, viven su día a día sin dinero y sin trabajo. Uno de ellos, Suso, se ha visto obligado a vender su quiosco de prensa, y Manuel, promotor inmobiliario, está hasta el cuello de deudas. La única válvula de escape que los hace evadirse, es su jornada semanal de pesca en la ría. En una de sus sesiones -el gag con el que abre la cinta es muy bueno-, la marea les traerá una sorpresa… En forma de fardo de cocaína de diez kilos.

Ante tan excepcional descubrimiento, los personajes decidirán hacer dinero con ella, vendiéndola en los más variados ambientes y lugares. En este punto, Somos gente honrada consigue vislumbrar y ofrecer una vis cómica saludable, dando como resultado situaciones disparatadas y extrapoladas hasta la carcajada. Pero la película de Alejandro Marzoa, es algo más. Con unos soberbios Paco Tous y Miguel de Lira, y con la presencia de un cada vez más maduro Unax Ugalde, Somos gente honrada consigue desarrollar y mostrar a sus creíbles personajes en pantalla con momentos límites en el seno de la familia y el entorno, utilizando la droga como elemento catalizador para su evolución y transformación. Lo que en un principio parecía la salida a una situación desesperada, acaba convirtiéndose en una mala decisión que los lleva a una peligrosa espiral donde hasta la amistad y relación más bien cimentada, penderá de un hilo.

Somos gente honrada es una película pequeña -sin que ello suene despectivo-, sencilla y sincera, que sabe navegar con rumbo fijo y firme entre las aguas del drama social -con la pérdida del trabajo y la identidad como reclamo- y la comedia -los dos personajes principales, interpretados por Paco Tous y Miguel de Lira son dos peces fuera del agua-, que a buen seguro calará hondo en el espectador. Alejandro Marzoa y los productores de El Terrat -que no son otros que los versátiles e inteligentes José Corbacho y Andreu Buenafuente-, han tirado el anzuelo. Y la carnaza, no nos puede parecer más atractiva.

Crítica escrita por Alberto González

La naturaleza de la psique humana es uno de los temas más tratados en el cine actual sobre todo si nos ceñimos a ese género cinematográfico propio denominado como bad kids o niños malos -aunque su director Jesús Monllaó Plana nos confesó en la rueda de prensa posterior no haberse visto influenciado, y de hecho, no haber visto ninguna de las películas consideras referencia en dichos lares-. Es complicado tratar en la pantalla grande un tema tan delicado -y sujeto a la más variada interpretación por parte del espectador-, aunque si se parte de una novela de éxito y con tanto empaque y postín como Querido Caín, todo parece, a simple vista, mucho más fácil.

Hijo de Caín comienza de una forma casi idílica: un padre -José Coronado- baña tranquilamente a su hija pequeña mientras charlan de su día a día y de fábulas y cuentos infantiles. La escena podría ser perfecta, de marcado sentido paternal. Excepto por una cosa: Nico los vigila y observa a ambos entre las sombras proporcionadas por los pasillos de la enorme y, aparentemente, tranquila casa en la costa mediterránea en la que habitan. Casi todo en la película de Jesús Monllaó Plana se basa en las primeras impresiones. En las imágenes y los aspectos que nos dedicamos y empeñamos a proyectar delante de nuestros semejantes. Y es que en Hijo de Caín, nada es lo que parece.

La película, un thriller psicológico de buena factura, relata la compleja vida de una familia de catálogo y revista, donde Nico Albert -David Solans- es la nota discordante. De una inteligencia excepcional, y con una pasión desmedida por el ajedrez, Nico emprenderá una terapia psicológica junto a Julio Beltrán -Julio Manrique- a fin de cambiar su actitud social con respecto a sus padres y su entorno, donde el juego estratégico de tablero, que servirá en un principio como premio e incentivo, acaba tornándose en una peligrosa obsesión. Los personajes de Hijo de Caín son sólidos cuales torres, y se van moviendo al son de una historia bien construida pese a lo previsible. José Coronado, con su habitual y magnética presencia, consigue impregnar a toda la producción de un atractivo único, cosa que se demuestra y constata en todos y cada uno de los momentos en los que aparece en pantalla. La réplica se la da ese gran descubrimiento maquiavélico -en la ficción- llamado David Solans, un valor futuro en esto del cine a seguir muy cerca. Actores como Jack Taylor -veterano de enorme y dilatada carrera cinematográfica- y María Molins, completan uno de los mejores aspectos de la producción.

El mayor problema de Hijo de Caín es que es una cinta que inicia con una excelente apertura -siguiendo el símil con el ajedrez-, pero que pronto revela sus movimientos, y acaba resultando previsible para el más avezado espectador. De hecho, nos atreveríamos a decir a que Hijo de Caín atesora una de las secuencias más vibrantes y estremecedoras del cine español más reciente, pero su llegada resulta algo tardía. Thriller psicológico bien avenido, Hijo de Caín quizás no resulte sorprendente, pero entretiene.

Crítica escrita por Alberto González

Miguel Alcantud -nacido en Cartagena, España y director de numerosos episodios de series en televisión-, es el responsable de Diamantes negros, un duro drama que versa sobre una de las interioridades más desconocidas y oscuras del mundo del fútbol: la concerniente a la de los ojeadores y sus falsas promesas. Diamantes negros nos narra una de esas trágicas historias, que bien podrían haber sucedido -o suceder- en cualquier pueblo, de cualquier país o región del interior de África.

La cinta de Miguel Alcantud se ambienta en Malí, donde Amadou y Moussa, dos jóvenes de quinces años, ven el fútbol como única válvula de escape a la dura y deprimente realidad que les rodea. Un buen día, y tras su dura jornada laboral, deciden jugar un importante partido de fútbol local. La suerte parece sonreír de su lado, y el destino hará que un ojeador de un club indeterminado europeo, se fije en ellos. La promesa de un trabajo y una carrera profesional en el mundo del fútbol -en ese paraíso idealizado que es Europa para los chicos- les hará dejarlo todo -a ellos, y a sus familias, que se verán obligadas a hacer un fuerte desembolso- y arriesgarse a vivir su propia aventura en un mundo que desconocen.

Diamantes negros expone rápidamente a sus principales atractivos y reclamos -que no es otro que la presencia del tándem más reivindicativo del cine español, ese duo cómico no pretendido formado por Carlos Bardem y Willy Toledo-, con lo que no tarda en atisbarse lo que debería ser la dura crítica que todo aficionado al fútbol -con más o menos conocimiento de causa- espera ver. Pero al igual que la eterna promesa a delantero que nunca consigue hacer gol, Diamantes negros no logra ser efectiva de cara al espectador, y siempre que parece quedarse sola enfrente de la portería, fracasa. Intenta aleccionar, e impartir dosis de moralina, y eso, no termina de cuajar.

Miguel Alcantud consigue establecer y presentar el onírico escenario futbolístico como telón de fondo  -Lisboa, Malí, Madrid o Polonia- y hacerse con las riendas de las historias de los dos avatares protagonistas -sin duda, lo mejor de todo el film-, pero jamás encuentra el tono adecuado para presentar de manera formal su particular alegato. Sí, se habla del mundo del fútbol y sus vanas promesas, ¿pero dónde están los clubs? ¿Dónde están los organismos que permiten y alientan a este sistema? En el discurso interno, y en la posterior conclusión final de esta película, sin duda falta algo. Diamantes negros es, paradójicamente, una piedra preciosa en potencia a la que le faltan miles de aristas por pulir o perfilar.

Crítica escrita por Alberto González

La evolución de Daniel Calparsoro en el cine es un curioso y digno caso de estudio. De esos que bien se podrían titular “del cine de autor al comercial”. “Y no morir en el intento”, añadiríamos. Nosotros, como espectadores, encantados. Daniel Calparsoro, con Invasor o Guerreros -su primera gran película-, demostró que es capaz de llevar las riendas de este tipo de producciones, contando así la enclenque industria del cine español con un valor seguro a conservar y mimar en su haber a la hora de funcionar en taquilla. Combustión es precisamente eso: un producto destinado al disfrute y la pura evasión por parte espectador. Otra cosa distinta es que lo consiga.

La cinta de Calparsoro, de indudable y consistente factura técnica, nos relata la historia de Mike -encarnado por el eficiente Álex González-, un ex-piloto de carreras profesional de pasado turbio que está a punto de asentar la cabeza y casarse. Entre medias conocerá a Ari -personaje interpretado por una sensual Adriana Ugarte-, una peligrosa y atractiva femme fatal involucrada en una tortuosa relación con un experto mecánico y ladrón de casas, con una especial afición por los coches deportivos y las carreras ilegales -Alberto Ammann-. Este rocambolesco trío amoroso sustentará la mayor parte de una película que, argumentalmente, no tiene consistencia ninguna. Tendremos alguna que otra tórrida escena de sexo, un par de secuencias marcadas por la reiterativa banda sonora de Carlos Jean -que funciona, ojo- y la aparición de varios momentos de persecución bien rodados y planificados -ahí es donde Calparsoro se siente más cómodo, en la acción-.

Si cogiéramos de forma individual todos y cada uno de los componentes que configuran y edifican Combustión como película, lo cierto es que tenemos un compendio de impecable factura y mejor aspecto. Tiene un buen plantel de actores, un equipo técnico a la altura y un director capacitado. Incluso, si nos apuráis, una banda sonora decente con la que acompañar los desvaríos automovilísticos lógicos de una producción de esta índole -hay un cierto momento donde la evidente inspiración en la magnífica Drive nos parece más que obvia-. Pero ninguna de las piezas de este, a priori, motor de altos vuelos termina de funcionar en conjunción con las demás.

Y es que Combustión es todo chasis, nada más. Estamos hablando de una película vacía, que corre demasiado -digamos que pisa el acelerador a los pocos minutos de comenzar y luego levanta el pie sin remisión o motivo aparente-, y no va a ningún sitio. Eso sí, como simple y llano ejercicio de entretenimiento puede llegar a funcionar. La lástima es que, pudiendo ganar la carrera y hacer podio Combustión, se tiene que conformar con estar entre los primeros clasificados dejando la gloria para otras producciones de género mejor avenidas.

Crítica escrita por Alberto González