El tiempo vuela, pasa demasiado deprisa ante nuestros ojos sin que nos demos cuenta, cada vez más a medida que nos hacemos mayores, cual nave espacial pasando al hiperespacio. Hace trece años, el que escribe estas líneas acababa de cumplir doce inviernos, un mocoso, igual que Darth Vader en el Episodio I de Star Wars. El estreno durante el verano posterior de La Amenaza Fantasma me vino que ni pintado para la edad que tenía, ajeno a las críticas dispares que obtuvo el film por aquél entonces (y las sigue obteniendo, pese al ruido que hacen las opiniones negativas), y prácticamente virgen en la saga, puesto que tan sólo había visto la versión clásica sin retoques de La Guerra de las Galaxias, grabada en una copia VHS de uno de esos pases en televisión de mediados de los noventa, antes de que llegara la Edición Especial de 1997.

Y salí del cine entusiasmado por lo que había visto y vivido. Ese entusiasmo evolucionó rápidamente en fervor hacia la saga. De repente, quise consumir todo lo que existía de Star Wars hasta el momento. Me hice con las copias en VHS de la trilogía clásica y las vi cientos de veces, sin exagerar. Vibré con las aventuras de Luke Skywalker, Han Solo, la princesa Leia y Chewbacca acechados por el Imperio Galáctico y el malvado Darth Vader. Después vinieron el resto de precuelas, claro, pero como me iba haciendo cada vez más mayor, pues como que no resultaban ser igual de emocionantes ni gratificantes.

Pero siempre guardaré un cariño especial por La Amenaza Fantasma. Fue la película que realmente me descubrió Star Wars, un mundo de fantasía maravilloso con el que he disfrutado durante tantos años. Y creo que le debo muchísimo.

No obstante, más allá del cariño y la nostalgia, sé reconocerle sus defectos, pero también sus virtudes.

Vista recientemente en Blu-ray (aún no he tenido oportunidad de verla en cines 3D), con ojos de adulto y desde la perspectiva global de la saga, Star Wars: Episodio I La Amenaza Fantasma es una película algo desconcertante. Si bien George Lucas construyó una película de fantasía y aventuras redonda en todos los sentidos en 1977, en 1999 las cosas parecieron torcerse más de lo previsto. O eso o es que La Guerra de las Galaxias original fue un mero accidente.

El ritmo vertiginoso de la trilogía precedente daba paso a uno demasiado irregular y torpe con la distribución de secuencias de acción y desarrollo, por no hablar de esa sensación constante de querer abarcar demasiadas cosas en tan solo dos horas de metraje: intrigas políticas considerablemente plomizas, aventuras, profecías pseudo religiosas, romance prematuro y, por supuesto, batallas estelares.

El remate a un batiburrillo algo indigesto viene de la mano del contenido humorístico de la película y su cara más infantil. George Lucas continuó restándole seriedad a la franquicia, empezando con los Ewoks de El Retorno del Jedi, y alcanzando su récord de vergüenza ajena por segundo en pantalla con los Gungans en La Amenaza Fantasma, especialmente ese personaje llamado Jar Jar Binks (Ahmed Best), sin duda el personaje más odiado de la historia de la serie con diferencia. La intención de Lucas de acercar la saga también a los más pequeños es noble (de hecho, ya dije que a mí me volvió loco), pero sus métodos y su capacidad de auto mesura muy cuestionables, algo que prácticamente acaban por echar por tierra el conjunto entero.

Sin embargo, y al contrario que muchos, yo sí creo que este Episodio I tuvo y sigue teniendo sus cosas buenas que, personalmente, acaban salvándola de la quema. Empezando, y haciendo un poco de trampa, por John Williams. El veterano compositor –quien recientemente ha cumplido 80 años– estuvo más acertado que el propio Lucas a la hora de tomarse en serio el componente dramático del film, que aunque no lo parezca, no es poco. Desde el tema principal de la Batalla de Naboo, pasando por la versión suavizada y nostálgica de la Marca Imperial estrenada en El Imperio contraataca, recuperando cuando son necesarios los coros tétricos dedicados al Emperador y al Lado Oscuro de la Fuerza que sonaron por primera vez durante el clímax final de El Retorno del Jedi, pero sobre con Duel of the Fates, ese choque de destinos musicalizado a la perfección que impulsa y dota de verdadero ritmo y dramatismo a una de las mejores secuencias de la película: el combate de sables de luz entre Qui-Gon Jinn (Liam Neeson) y Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) contra el desaprovechado Darth Maul (Ray Park).

Son precisamente las secuencias de acción y clímax de Star Wars: Episodio I La Amenaza Fantasma las que sirven como firmes sustentos de una estructura débil y tambaleante. El rescate de la Reina Amidala (Natalie Portman) en Naboo por parte de los Jedi al principio de la película, el descubrimiento de Anakin Skywalker (más como evento clave en la historia que como personaje en sí, el cual en verdad resulta un tanto irritante), la carrera de vainas, la batalla espacial y el duelo de sables láser… son aciertos que no logran disimular carencias como la falta de dramatismo (Lucas nos habla de un capítulo clave y muy serio de la historia de la galaxia, y en lugar de potenciar ese aspecto, apuesta más por las tonterías de Jar Jar Binks, las bobas expresiones del pequeño Anakin y hablarnos sobre algo que nadie había pedido: los midiclorianos) o un ritmo descompensado.

Vista en perspectiva y con años de distancia, ahora entiendo por qué La Amenaza Fantasma defraudó a muchos en su estreno. Pero a pesar de sus múltiples defectos, no logro ver el bodriazo que muchos ven en ella. Quizá sea ese niño de doce años, que se sigue resistiendo a la visión de su yo adulto de una película que tanto disfrutó hace ya más de una década. Pero en fin, quien no se haya puesto sentimental nunca, que vaya tirando la primera piedra…

La popularidad de James Wan como realizador le ha venido como anillo al dedo tras dejar su cruenta saga Saw, de la que responsabilizó sólo en una ocasión (de donde partió todo). El director de origen malayo intenta reinventar un subgénero como es el de las casas encantadas, hastiado de tantos refritos y remakes.

Insidious nos cuenta la historia de la familia Lambert. Josh y Renai (Patrick Wilson y Rose Byrne) acaban de mudarse a una nueva casa. Allí su hijo Dalton entra en coma después de un extraño accidente doméstico. Lo que parece un desagradable caso, pronto aterra a sus padres, que reciben la noticia de que su hijo está entre dos mundos, el real y una especie de dimensión desconocida donde un ente trata de apoderarse de su alma.

Planteada como una historia de terror y con algunos puntos a su favor, lo cierto es que tras ver Insidious uno se queda con cierto regusto a que todo lo visto ya lo tiene más que sabido. Y esto es un gran problema que aqueja al género de terror desde hace un tiempo. En Insidious no hay prácticamente sorpresas si conoces el mecanismo, es como andar un camino ya andado o como releer un libro una y otra vez.

Y, hasta cierto punto, uno termina algo molesto, porque Wan plantea al principio, una historia que pinta bien, que promete, que incluso despierta interés… Pero llega un momento en el que parece haber agotado su imaginería (el guionista también) y todo termina por un espectáculo en donde lo visual prima por encima de lo que realmente importa, la historia.

Parte de esta culpa la tiene su desarrollo, que no termina de encajar de forma correcta las piezas (incluso de forma sutil, si se me permite). A Insidious se la ven las cartas, se la ve venir y lo peor de todo es que nuestros temores tienen razón. Cogiendo pequeñas piezas de una u otra cinta de terror, Wan, congrega a muchos aficionados, a las salas de cine, donde intentar asustarles de la mejor forma posible.

Otro punto en contra, radica en sus protagonistas. Wilson y Byrne están bien, pero no llegan a crear ningún tipo de química, ningún tipo de complicidad para con el espectador. Hasta en ciertos momentos parece que lo que les sucede a sus hijos les da exactamente lo mismo. Una lástima, pues tenía en alta estima a ambos nombres.

Insidious desaprovecha (a pesar de que haya hecho taquilla) la opción de contarnos algo diferente a lo que han contado otros títulos similares. Incluso tratándose de una cinta sobre casas encantadas, podría haber metido elementos interesantes, como hizo, por ejemplo Peter Cornwell en Exorcismo en Connecticut (2009), donde manejando elementos conocidos, se permitía colocarle otros nuevos para crear interés, y lo conseguía.

Mención aparte, y quizá lo mejor, sea su aspecto visual. Insidious es una cinta con buenas formas. Wan hace uso de cámara en mano para retratar realismo y rueda prácticamente todo en interiores, para cotidianizar la historia y tratar de hacer al espectador más cercano a la película.

Habría que evitar comentarios o prejuicios del tipo “si no te gusta el béisbol” o “si no conoces el béisbol” antes de ver esta cinta, puesto que quizá el deporte sea únicamente una excusa para contarnos la historia de superación de Billy Beane, un hombre que creyó absolutamente en su sueño.

Estamos en la MBL, la liga de béisbol profesional, concretamente en el equipo de los Athletics de Oakland (los A´s como se les conoce). Allí, Billy Beane (Brad Pitt) se encarga de gestionar el club, mediante traspasos, ventas e intercambios. Sus tres estrellas principales se han ido a otros equipos y el presupuesto para la próxima temporada no es muy alto. Ayudado por un joven analista de jugadores (Jonah Hill) se pondrá manos a la obra para crear un equipo modesto, capaz de ganar a los grandes.

Cine y deporte rara vez suelen visitar las carteleras de forma inteligente. En esta ocasión, podemos confirmar que Moneyball es una de esas cintas en donde el deporte no es más que una simple excusa para ensalzar otros valores humanos, en este caso, un auténtico sueño, el de llevar a un equipo modesto hasta lo más alto.

Con algunos ejemplos en la vida real (no sólo sobre el que se basa la película), los aclamados guionistas Steven Zaillian y Aaron Sorkin construyen una sólida narración que hace navegar a Bean (un espléndido, aunque no excesivamente brillante, Brad Pitt) por multitud de situaciones en donde se lo pondrán difícil para alcanzar su meta. No es la primera vez, al menos para Sorkin, que a través de una historia real, nos cuela un fondo mucho más interesante que la propia forma.

Por suerte, Moneyball tiene las dosis justas de deporte para que ni nos perdamos (si no conocemos el juego) ni nos aburramos (si realmente no hemos ido a ver una cinta sobre béisbol). Bien mezcladas todas las partes, el resultado final luce de forma notable, componiendo un hermoso retablo sobre la conducta humana ante cualquier situación, siempre y cuando se quiera llegar a un fin.

La historia de Moneyball va creciéndose poco a poco, hasta desembocar en un final quizá algo escaso dado que nos hemos tomado todo muy en serio. Pero si la historia fue así, tampoco es quizá un motivo para desbaratar todo y echar al traste el conjunto que, reitero, luce espléndidamente.

Tanto Pitt como Hill, ambos nominados a los próximos Oscar, corrigen el rumbo de la historia. El primero, el capitán del barco, encarnando a un Bean muy contenido que sabe controlarse a pesar de que los que le rodean ni siquiera lo ven venir (como el consejo de asistentes para fichajes o el mismísimo entrenador, un desaprovechado Philip Seymour Hoffman). Por otro lado tenemos a Jonah Hill (sigo preguntándome el porqué de su nominación), su compañero de fatigas y quizá, el verdadero cerebro de este “milagro”.

Hill, se encarga en ocasiones, de recordarle a Pitt lo que hay que hacer. A pesar de la diferencia de edad entre personajes (muchos pensarían que Bean tiene más que enseñarle), mientras uno simplemente piensa en su destino (ganar la liga a toda costa y construir su equipo soñado) el otro se encarga de ponerle los pies en la Tierra y recordarle de vez en cuando que no son más que personas, que requieren de algo más que duros entrenamientos, victorias y derrotas.

Miller (Truman Capote (2006)) ejecuta muy bien su jugada. No emociona excesivamente (seguro que no era su intención) pero se le ve una cinta muy contenida, como con indicios de convertirse en algo más. Quizá la historia haya podido con su director, pero las riendas, en este caso, están muy bien llevadas, dosificando cada cosa en su momento.

Moneyball es un claro ejemplo de que a veces el dinero no está por encima de todo, de que a veces el orgullo personal debe dejar paso a los sueños y de que ante todo están las propias personas, esos hombres que, como Bean, soñaron una vez que todo era posible y que, gracias a eso, se les recordará tal y como ellos querían.

Valoración: 7 sobre 10
Crítica escrita por Luis Jiménez

Bajo amenaza supone un nuevo trabajo de Joel Schumacher, director un tanto irregular que tan pronto hace pensar que tiene buen pulso como que no sabe escoger con acierto algunas de las historias que cuenta.

Bajo amenaza se centra en la familia Miller. Kyle y Sarah (Nicolas Cage y Nicole Kidman) viven en una lujosa mansión. Una noche tras una discusión con su adolescente y rebelde hija, sufren un asalto a su casa y serán retenidos por un grupo de ladrones. Sus exigencias son bastante claras, una caja fuerte.

Los secuestros en los hogares son, en ocasiones, un tema recurrente en el cine. Desde Horas desesperadas (1956), a Firewall (2006). Hasta el cine europeo se ha atrevido a realizar cintas de similares características, no olvidemos Funny Games (1998), de Haneke o la española Secuestrados (2011), de Miguel Ángel Vivas. Todas ellas siempre suelen tener un eje común, y de alguna forma, manejan la violencia de la situación según interese.

Schumacher ha decidido edulcorar un poco la tensa situación que supone un secuestro para dejarnos caer unos personajes que, a pesar de intentar llevar la situación, no consiguen tampoco que sintamos simpatía por ellos, o al menos, un poco de pena. Es seguramente este elemento el que diferencia a Bajo amenaza del resto de películas de similar argumento.

Hace ya algún tiempo que muchos crucificamos a Nicolas Cage, cuya carrera, más irregular que el filo de una sierra, cosecha taquilla (no siempre) pero se ha vuelto más estrella que actor, siguiendo, en este caso, a un personaje que en sus diversos intentos por crear suspense o interés, provoca otro tipo de reacciones.

Casi lo mismo le sucede a Nicole Kidman, que como su compañero de reparto, tras haber recibido un Oscar no parece haber relanzado su carrera y tomar otro tipo de iniciativas. Bajo amenaza supone un papel muy secundario para la protagonista de Las horas (2003), a pesar de que es uno de los principales ganchos de toda la historia.

Pero si alguien sale mal parado de todo este desaguisado, son los propios secuestradores. Si tienen que infundir miedo, aquí no lo hacen. Uno puede hasta simpatizar con ellos, pero no es el caso, es más, terminan hasta cayendo mal… de lo mal ladrones que son.

En conjunto, estamos ante una cinta menor dentro de la carrera de Schumacher que parece abocado a una especie de autodestrucción que comenzó hace ya un tiempo y que con el retraso de sus últimos estrenos, está saliendo a la luz. Bajo amenaza no guarda nada suyo, es una cinta que nos deja un tanto indiferentes y no nos hace sacar muchas conclusiones.

La introducción en el guión de algunos giros, pretenden levantar un ejercicio fílmico que, desde los primeros quince o veinte minutos, deja ver todas sus cartas, por lo que no esperamos ya nada nuevo. Una lástima, porque a pesar de ser un género muy trillado, siempre se le puede sacar algo nuevo.

Valoración: 4 sobre 10
Crítica escrita por Luis Jiménez

Acostumbrado a historias más humanas y menos laberínticas, el irlandés Jim Sheridan se embarca en la que parece su cinta menos personal y, por ende, más floja de lo que llevamos visto de él hasta ahora. Detrás de las paredes es un intento de thriller, y se queda en eso, en un intento.

Para el editor Will Atenton (Daniel Craig) y su familia, la ciudad de Nueva York es un verdadero quebradero de cabeza. Para relajarse, decide trasladarse a una casa más tranquila en Nueva Inglaterra. Lo que parece la casa de sus sueños, esconde un secreto, hace cinco años, un hombre asesinó a una mujer y a sus hijas. Parece que la historia no ha terminado de resolverse.

Partimos de que Jim Sheridan es un director más que solvente. Su carrera (no muy extensa, por cierto) está poblada de títulos de bastante calado: En el nombre del padre (1993), En América (2003) o quizá la más reciente, la versión “made in Hollywood” de la cinta danesa Hermanos (2009). Viendo su trayectoria como director dramático, no es de extrañar que se embarque en un título como Detrás de las paredes.

Nadie nace sabiendo y Sheridan lo ha demostrado en esta cinta. Lo que pretende ser un thriller con buenos ingredientes, termina convirtiéndose en una serie de pistas que acaban desembocando en un desenlace frío y hasta pobre, si tenemos en cuenta todo lo que se nos ha contado con anterioridad.

Desinflar el final de una cinta, como sucede en Detrás de las paredes no ayuda demasiado a que se la quiera ver. En este aspecto, el guión quizá debería haber buscado otros caminos a la hora de proporcionar detalles o a la hora de devolver al espectador a la historia principal.

Mediante una serie de pequeños giros o de situaciones más o menos verosímiles, se va construyendo la historia. Dentro de lo que pueden, sus protagonistas (bastante mal aprovechados aquí) intentan salvar el barco del hundimiento. Pero la cosa no pinta muy bien, y lo que intenta crear interés crea otra cosa totalmente opuesta.

Y no es que Detrás de las paredes sea una cinta tediosa o aburrida (que puede serlo, cuidado), sino que le falla su ritmo, más preocupado a veces por sorprender que por hacer avanzar la historia realmente. Ciertos aspectos se desvelan como a trompicones, proponiendo finalmente al espectador el delirante juego de a ver si adivina la siguiente pista, un error bastante típico en muchos thrillers actuales.

Sheridan no ha sabido absorber bien quizá todos los consejos que, seguramente, le hayan proporcionado, y lo que al principio parece interesante, se va tornando en una oscura e insípida historia sobre un crimen y su porqué, por otro lado, bastante soso y pobre. He aquí otro garrafal e imperdonable defecto de Detrás de las paredes.

Se agradece, eso sí, que la tortura no sea excesiva. Sus minutos se intentan gastar de la mejor forma posible y si no llegas a conectar, hasta es posible que se haga larga la función. Detrás de las paredes se ha anquilosado en lo que se estila hoy en día, no sabe aportar nada nuevo y lo que es peor, parece resultarle indiferente.

Valoración: 3 sobre 10
Crítica escrita por Luis Jiménez

Los descendientes nos cuenta la peculiar historia de Matt King, un abogado que vive en Hawái junto a su mujer y sus dos hijas, y que tiene que verse de golpe con un triple impacto brutal en su vida: el accidente que deja en coma a su aparentemente no muy modélica esposa, tener que tratar de ser un buen padre para unas hijas a las que no ha prestado demasiada atención, y tomar una decisión trascendental sobre una venta familiar. Este interesante punto de partida se convierte rápidamente en un comedido drama de situaciones cuanto menos extrañas y con una enorme carga emocional.

Resulta bastante evidente, para empezar, en un cierto paralelismo en el tono a la anterior película dirigida por Payne, la deliciosa Entre copas, aunque también es cierto que todo el tramo inicial narrado en primera persona por Clooney nos haga pensar que estamos viendo una especie de secuela de Up in the air. Afortunadamente, la personalidad del film se va definiendo muy independiente conforme avanza y nos va desvelando la evolución de sus personajes.

Lamentablemente, y aunque la película tiene colaboraciones estelares de pesos pesados como Robert Forster y Beau Bridges, la película pertenece casi egoístamente a Clooney solito, aunque no hay que perder de vista a Shailene Woodley como la hija en la ficción de este, un indudable talento potencial. Dejando claro este punto, que es un vehículo de lucimiento perfecto para el veterano actor, podemos evaluar las virtudes y defectos de una cinta interesante en su conjunto.

El guión de Los descendientes, título que hace alusión a las raíces Hawaianas de la familia de Clooney en la película, es un interesante pulso que se mueve entre el drama más visceral, una feel-good movie con aspiraciones de cierta moralidad ante la vida, y un no tan ligero alegato sobre el medio ambiente, aunque este último punto quizá esté bastante difuminado respecto al argumento principal, que gira siempre en torno a la esposa de Clooney y el palpitante desenlace que le espera no solo a ella sino a todos sus amigos y familiares. Llevada con un ritmo muy correcto, aunque a veces algo plomizo, su interés va creciendo por momentos y alcanza momentos de brillantez absoluta, si bien su endeble sentido del humor y la cobardía con la que acomete las escenas dramáticas restan un punto de credibilidad al conjunto.

Técnicamente es una película muy destacable aunque especialmente su exquisita fotografía, muy viva y realista, del por otro lado excelente cónclave que suponen las paradisíacas islas de Oahu, Hawái y Kauai. Un altísimo porcentaje del film transcurre en exteriores, algo que aprovecha muy bien estas idílicas localizaciones. La música, también puramente hawaiana, está muy bien insertada y pese a su folkorismo, no podría estar mejor escogida.

Los descendientes es una película de visionado muy agradecido y con una historia atrayente, genuinamente bonita y con un punto extravagante que sin embargo rezuma cierto tufo academicista, posiblemente razón por la cual está teniendo tanto éxito (no hace falta ser muy adivino para saber que estará nominada a varios oscars en los próximos días), pero también adolece de cierta superficialidad por el mismo motivo. Clooney está muy correcto en su papel, aunque tampoco sobresale especialmente, en un título que le pertenece casi al completo.

Alexander Payne puede, por tanto, estar orgulloso de su última obra en términos generales, pero salvando sus alternantes puntos de lucidez, Los descendientes es en su esencia un film de bien alto rozando el notable. De visionado, no obstante, muy recomendable.

El director Guy Moshe, del que muchos no habíamos oído hablar hasta ahora, se atreve con todo. Con una historia mezcla de cine oriental y de acción al más puro estilo Hollywood, Bunraku supone una compleja y arriesgada apuesta a día de hoy.

La historia gira en torno a un joven vagabundo (Josh Hartnett) que lleva gran parte de su vida buscando venganza. En su camino se cruza el misterioso samurái Yoshi (el cantante y modelo Gackt). Juntos aúnan sus fuerzas para derrotar al malvado Nicola (Ron Perlman). Toda una batalla que pondrá a prueba no sólo la fuerza, sino el honor de cada uno.

A primera vista, nos encontramos con un producto casi novedoso, con un atractivo estilo visual (muy influenciado por la cultura oriental), un reparto aceptable (no destacable)… toda una serie de ingredientes que podrían combinarse en una cinta, cuanto menos interesante, eso sí, no hay que olvidar otros aspectos.

Moshe, que prácticamente debuta para el gran público, se ha encargado sobre todo del aspecto visual del filme, dejando a un lado otros que quizá no ha tenido en consideración, pero que lastran de forma importante el resto de la película. Bunraku es una cinta muy desigual, con más de un aspecto que no logra levantarla de donde esté.

Parte de un guión (no hablo de la historia) que no termina de despegar, puesto que uno se siente algo abrumado ante tanta palabrería, ante tanta expectativa y ante los personajes, que tampoco llegan a alcanzar la simpatía necesaria con el público para que éste, se quede enganchado.

La originalidad que pueda desprender Bunraku se evapora en cuanto se nos viene a la cabeza la mayoría de las inspiraciones en las que Moshe se ha basado para elaborar tal despropósito. Sin City (2005), los videojuegos o el cine de artes marciales, son algunas de las fuentes de las que Bunraku bebe hasta hartarse.

Todo queda en un mero ejercicio estético, vacío y falto de personalidad, con un ritmo que se hace tedioso en ciertos momentos, pero con una historia que podría dar para mucho más que un bonito envoltorio. Una lástima teniendo en cuenta incluso, el reparto que se lleva.

Bunraku no se deja querer, por mucho que intente engatusarnos con su palabrería visual. Moshe no ha sabido manejar correctamente los elementos que una historia como esta le podía brindar.

Es muy difícil escribir un comentario de una película sobre la que, principalmente, pesa la sombra de una versión anterior que, merecida o no, ha inaculado su propio carisma en cientos de miles de espectadores. Por tanto, a partir del siguiente párrafo en adelante, este artículo no hará mención alguna a la saga original sueca (serie de televisión de presupuesto medio que fue reconvertida en películas tijera mediante, con todo lo que eso conlleva) ni a lo que sin duda fue su mayor logro: el jugoso papel de Noomi Rapace como Lisbeth Salander, rol que le ha dado una merecida fama internacional.

Dicho esto, Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres desde el punto de vista de David Fincher, un director que puede considerarse de culto gracias a films como Seven, El club de la lucha y, más recientemente, La red social (solo por citar algunos), es un auténtico ejercicio de buen cine en todos los aspectos y muy especialmente en su cinematografía y el excelente montaje de la cinta, cuyas casi dos horas y media de metraje se pasan en un suspiro.

Tras unos títulos de crédito iniciales explosivos, absolutamente espectaculares y llenos de fuerza, la película se nos presenta como un atípico thriller de misterio que gira en torno a la investigación de la muerte de una joven de buena familia cuarenta años atrás, mientras que de forma paralela se nos da a conocer a los dos personajes principales de esta historia: Mikael Blomkvist (Daniel Craig), periodista íntegro venido a menos por culpa del ataque mediático de un poderoso enemigo, y la antisocial, enigmática y prodigiosamente inteligente Lisbeth Salander (Rooney Mara). Durante un buen tramo de la película, que se toma su tiempo en explicar la compleja trama, vemos a estos personajes separados y con un pequeño vínculo en común, pero es al cruzarse sus caminos cuando Los hombres que no amaban a las mujeres realmente alcanza sus cotas de mayor interés y emoción.

Pese al atrevimiento con el que Fincher ha abordado un más que anticlimático final (dolencia que ya sufría el libro) y ciertas licencias que se ha permitido modificar de la historia original, alguna de ellas realmente marcando una diferencia y especialmente lo relativo al desenlace, el ritmo narrativo casi perfecto y la lección a nivel de fotografía del que la cinta hace gala hacen que olvidemos rápidamente cualquier cambio acometido por los guionistas, quienes ya de por sí contaban con muy buena base. El guión es conciso, va al grano y deja de lado cualquier irrelevancia en la gran pantalla, como debe ser en las adaptaciones de calidad.

La verdadera estrella de la cinta es sin duda Rooney Mara, que hace de la atormentada Salander totalmente suya, dándole el preciso matiz entre dureza y dulzura que le hace falta, aunque en general el reparto al completo es más que competente incluyendo a la superestrella de la función, Daniel Craig. En todo caso, quizá decepciona un algo forzado Stellan Skarsgård, aunque irónicamente él protagoniza una de las escenas más interesantes del conjunto y cita algunas de las frases más memorables.

Hay que hacer una mención especial también a la magnífica música de Trent Reznor y Atticus Ross, de Nine Inch Nails, que ya también colaboraron con Fincher en La red social. Y volviendo a Fincher, el único pero que se le puede poner realmente en este notable trabajo es una evidente impersonalidad y cierto tufo a película de encargo, si bien su impronta está presente. Si fuera un director cualquiera seguramente no se le sometería a semejante juicio, pero no debemos olvidar que Fincher es casi cine de autor puro y duro si obviamos su atípico Benjamin Button, de 2008.

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres es, en definitiva, un excelente thriller magníficamente dirigido y bien interpretado con muchas papeletas para ser una de las mejores películas del año. Es una pena que su endeble fracaso de audiencia en su país natal ensombrezca la posibilidad de que lleguen a ver la luz sus nada desdeñables secuelas que, esta vez sí, están centradas casi exclusivamente en su adictiva protagonista femenina. Muy, pero que muy recomendable.

No es de extrañar que el éxito cosechado por sagas como Saw o Feast (Atrapados) (aquí sólo hemos podido ver la primera parte), hiciera saltar a Marcus Dunstan del papel a la silla de director. Su primera obra, The Collector (que ya cuenta con secuela en proceso de posproducción), no resulta novedosa a pesar de su premisa, pero si sugiere que el terror sigue estando fresco.

Arkin (Josh Stewart) es un hombre que se gana la vida haciendo alguna que otra chapuza mientras intenta rehacer su vida y la de su mujer e hija, metidas en una deuda. Para saldarla, encuentra la oportunidad en la caja fuerte de una casa donde ha trabajado.El problema es que no estará solo ya que dentro hay un psicópata que intentará darle caza.

The Collector es cine de rápido consumo, es terror casi del de antes, aunque con bastante más sangre y casquería que lo que estamos acostumbrados, por lo que se recomienda abstenerse a los que esperan una película “de sustos” únicamente. Que lo es, por otro lado, pero en esta ocasión se adereza con algunas delicias del terror más burro.

Su premisa, ladrón contra psicópata, resulta atractiva o al menos poco habitual. El protagonista, un tipo bastante listo, aunque no lo parezca, se las ingenia para tratar de salir de las numerosas trampas que nuestro odiado psicópata planta por toda la casa, a cada cual más bestia. Desde trampas para oso, cuchillas que se accionan con sistemas de cuerdas, hasta ácido en el suelo…

La amplia variedad de chismes que despliega The Collector quizá sea lo que la haga más interesante. Pero lejos de habernos engatusado con el supuesto e interesante duelo, al final no queda más que una persecución entre el ratón y el gato dentro de un minúsculo laberinto, como es la casa en la que se desarrolla prácticamente toda la película. En este aspecto, la labor de Dunstan como realizador se deja ver, aportando algunas elaboraciones técnicas de su cosecha. Valiéndose de numerosos clichés del género y de aspectos estéticos ya casi a la orden del día, The Collector no da excesivamente miedo, sino que provoca más inquietud y tensión que otra cosa. Si Dunstan quería poner nervioso al personal, lo ha conseguido.

¿Què hay incoherencias?, sí, y además bastantes, pero da lo mismo, para Dunstan lo importante es plantear el reto, la historia, lo demás quizá sea algo secundario para un director que, con un material bastante más elaborado y original, podría dar algo de que hablar. No estamos quizá ante el clásico debut anodino y flojo, al menos se han molestado en ponerle algo de imaginación al tema.

The Collector llega para quedarse, puesto que la secuela está en camino. Dunstan y su experiencia como guionista en sagas como Saw o Feast (Atrapados) es de sobra un ejemplo de que al menos dentro de espacios sabe manejarse, poniendo al protagonista en algunas situaciones complicadas, y que dado su arte, logra salvar de forma extraordinaria. Eso sí, no es un superhéroe, que quede claro.

El terror no se ha caracterizado precisamente por contar con repartos de Oscar (al menos desde hace unos años). Stewart, a quien hemos podido ver en Un ciudadano ejemplar (2010) y a quien veremos en El Caballero Oscuro: La leyenda renace, porta un rol atractivo que hace al espectador hasta simpatizar con él. El resto del reparto tampoco merece mucho más, cumplen su función (gritar, gemir, llorar…) de la forma más efectiva que saben. Se echa en falto algo importante, y es el “por qué” de muchas cosas, aunque es más que probable que a Dunstan eso le importe bastante poco.

The Collector reanima el cine violento (casi gore), y a pesar de su estreno tardío por lo menos se ha dejado caer y será una buena oportunidad para darle un vistazo a una de las cintas que menos tiene que perder dentro de su género. Es tópica, pero sabe perfectamente dónde están sus límites, incluso en su descafeinado desenlace.

Valoración: 5 sobre 10
Crítica escrita por Luis Jiménez

La Navidad siempre es una época especial para el cine. Fechas en las que siempre interesa estrenar ciertas películas o quizá días muy apropiados para algunos géneros en concreto. Es el caso de Noche de fin de año, película coral que se erige como una especie de canon de cinta navideña.

Varios personajes se entrecruzan en la última noche del año. Varias historias con el factor común de una noche, de un momento en concreto. El director Garry Marshall sabe perfectamente mover el mecanismo dramático de una película, aderezándolo con algunas pinceladas cómicas (muy pocas y bastante olvidables). Su experiencia en estas lides le ha hecho ya ser casi el único capaz de manejar este tipo de historias de forma efectiva.

Noche de fin de año, sin embargo, no llega a descubrirnos nada nuevo. Seguramente tampoco sea ese su cometido ni su intención. Como cinta coral, con historias para todos, funciona como tiene que funcionar (aunque la taquilla no ha pensado lo mismo), pero fuera de la época quizá se quedaría algo anodina, muy similar a lo que pasó con Historias de San Valentín (2010) dirigida igualmente por Marshall.

Precisamente es con aquella cinta con la que Noche de fin de año guarda ciertas similitudes a primera vista (entre otras la guionistas Katherine Fugate). Por un lado su reparto, en donde encontramos un abanico de edades bastante amplio, desde Abigail Breslin hasta Robert De Niro (anecdótico, claro). Nombres como Jessica Biel o Ashton Kutcher aparecen en ambas cintas, y como no, Hector Elizondo, actor fetiche de Marshall.

De entre todas las historias que se mezclan en Noche de fin de año, quizá la que parezca más interesante (y por ende, menos previsible) sea la protagonizada por una atípica pareja, Zac Efron y Michelle Pfeiffer (sí, es ella). El resto de los fragmentos son, cuanto menos, algo manidos y con unos cuantos tópicos. Esto no resulta quizá algo que lastre el resultado y efecto de Noche de fin de año, no olvidemos que estamos ante una comedia romántica.

En el apartado interpretativo, mirando su cartel de actores, podríamos intuir el resultado. En general es bastante homogéneo y todos están muy correctos. Los puntos cómicos a los que Marshall recurre para intentar darle ese “buen rollo” a todo, no resultan excesivamente cargantes y aunque suelen pasar de puntillas, al menos despertará una pequeña sonrisa en algún espectador.

Noche de fin de año es la clásica comedia de Navidades para todos los públicos. Garry Marshall (hablamos del director de Pretty Woman (1990)) sigue siendo un maestro para estas cosas, y quien sabe si algún día no veamos también alguna cinta basada en otros momentos como la Nochebuena, el día de Acción de Gracias… todas siguiendo esta misma fórmula. Una fórmula que al final sabes que dará un resultado positivo, pero que te da lo mismo, puesto que buscas algo más que un fin en una película como esta.

Intentando convertir en icono de la Navidad, del “buen rollo”, del “todo va a salir perfecto”… a la ciudad de Nueva York y todo lo que conlleva (luminosos, ambientes, nieve, sus gentes…), Noche de fin de año, tiene ese halo de cinta aglutinadora de muchas cosas, todas ellas con la felicidad como nexo de unión.

Valoración: 5 sobre 10
Crítica escrita por Luis Jiménez