Star Trek: en la oscuridad es la secuela del reinicio de la saga que dirigió J.J. Abrams en 2008 y que cosechó una espectacular respuesta de crítica y público. Cinco años después, y con todo el reparto original encabezado por Chris Pine y Zachary Quinto como el capitán Kirk y Spock respectivamente, además de personajes nuevos como el ya anunciado y popular Benedict Cumberbatch en el papel de villano, el próximo 5 de julio llegará por fin a las salas españolas (con un incomprensible retraso de casi dos meses respecto a USA).

Los 28 minutos que pudimos disfrutar (en glorioso IMAX y V.O.S.E.) han sido escogidos personalmente por el propio Abrams, y consistieron en los primeros 25 minutos de película, además de dos escenas adicionales cortas.

Tras el logo de la Paramount acompañada de la gloriosa partitura original que Michael Giacchino ya utilizara en la primera entrega, en perfecta consonancia, comienza Star Trek: En la oscuridad.

La escena inicial comienza en un planeta remoto a plena luz del día. En una espesa vegetación rojiza aparecen dos personajes con el rostro oculto que huyen de una tribu alienígena de una forma un tanto cómica, muy al estilo Indiana Jones. No tardamos en descubrir los rostros de estos dos personajes: Jim Kirk (Chris Pine) y Bones (Karl Urban). Paralelamente, la cámara nos lleva a las profundidades marinas cercanas, donde aparecen las míticas siglas NCC-1701 y descubrimos que la nave Enterprise se encuentra allí oculta, ya que la misión conlleva no ser descubiertos por una civilización arcaica.

Así, dentro de la Enterprise, volvemos a ver de forma muy fugaz pero elocuente a la mayoría de rostros que ya conocemos de la primera entrega: Uhura (Zoe Saldana), Scotty (Simon Pegg), Chekov (Anton Yelchin), Sulu (John Cho)… y por supuesto, a Spock (Zachary Quinto), que nos desvela el objeto de la misión: adentrarse dentro de un volcán a punto de entrar en erupción y que potencialmente puede destruir a esa civilización sin recursos. Para ello detonará un artefacto de ultracongelación que dejará al volcán de nuevo inactivo. Algunos de estos miembros se encuentran ya en una pequeña nave auxiliar en el crater del volcán, y Spock se despide de Uhura con su peculiar razonamiento Vulcaniano.

La escena se desarrolla paralelamente entre la huida de Kirk y Bones, y el intento de Spock por colocar con éxito la bomba de hielo. Mientras los primeros consiguen llegar sanos y salvos (con espectacular salto por un acantilado mediante) a la Enterprise, Spock se ven en serios aprietos para lograr su cometido, pues el volcán está ya entrando en erupción y se encuentra en un lugar en el que no es posible la teletransportación respecto a la posición de la Enterprise. Asi pues, en una situación sin salida asume que es el fin, pero Kirk, en el último momento, decide que no va a dejarle morir y hace emerger la Enterprise del agua ante la estupefacta mirada de la tribu alienígena, que se supone no debía ver semejante despliegue tecnológico.

Así pues, in extremis, Spock consigue ser teletransportado de nuevo a la nave y la misión concluye. La secuencia termina con la tribu excitada hablando entre sí ininteligiblemente sobre lo que acaba de acontecer, dibujando en el suelo la silueta de la Enterprise, y fundiéndose este tosco dibujo con la nave auténtica ya en el espacio a punto de entrar en el hiperespacio. Cuando esto ocurre, aparece el título del film a ritmo del tema principal de la película en todo su esplendor.

La siguiente escena nos muestra un futurístico Londres, donde en un domicilio se despierta un matrimonio. Este se dirige a un hospital donde hay una niña enferma, aparentemente en coma, que intuimos que es su hija, mostrándose también el dolor y la desesperación de este matrimonio. Esta escena transcurre sin diálogo. El padre, que sale a la calle, escucha de repente una voz: Puedo salvarla. El hombre se gira y se encuentra con John Harrison (Benedict Cumberbatch), que le mira con rostro severo pero tranquilo, y que le repite de nuevo lo que acaba de decirle.

Acto seguido, nos volvemos a encontrar con Kirk y Spock. El primero parece emocionado ya que Pike (Bruce Greenwood) les ha convocado a una reunión, y Kirk cree que les van a asignar una misión de cinco años en el espacio profundo. Nada más lejos de la realidad: tras una enardecida discusión al conocerse el informe que Spock ha presentado sobre la misión en el planeta del volcán, Pike comunica que Kirk no está aún preparado para ser el capitán de la Enterprise, y le relega del mando, provocando incluso que Spock tenga palabras mayores con él.

La siguiente secuencia, enteramente sin diálogo y con una partitura musical que parece la de Philip Glass en Las horas, vemos al padre de la niña enferma inocularle a la misma un tubo que parece sangre o algún tipo de medicina, provocando inmediatamente la mejora en las constantes vitales de la misma. Acto seguido, vemos cómo el hombre se incorpora a su puesto de trabajo en una biblioteca de la Federación Unida de Planetas. Tras hacerlo, este deposita un anillo que lleva consigo en agua, provocando una reacción química que causa una enorme explosión que destruye por completo el edificio.

La acción vuelve entonces a Kirk, tomando una copa en un bar y evidentemente disgustado por el encuentro con Pike (pero aún así con ganas de seguir flirteando con chicas). Pike aparece en el bar y se pone a hablar con él: finalmente, la Enterprise ha sido asignada al propio Pike, quien ha decidido que Kirk sea su segundo a bordo y así darle una segunda oportunidad, mientras que Spock ha sido trasladado a otra nave. Es entonces cuando el busca de Pike le comunica una reunión de urgencia del comité de seguridad de la federación, a la que también asistirán Kirk y Spock. De camino a dicha reunión, Spock y Kirk tienen una conversación en la que hablan de sus nuevos destinos y se puede ver la complicidad entre ellos pese a sus evidentes diferencias de personalidad.

En la reunión, el comité habla sobre el atentado en Londres, y se habla del personaje de John Harrison, quien ha reivindicado el atentado, aunque los motivos para haber declarado la guerra a la federación son desconocidas. En ese momento, Kirk le comenta a Pike que algo no le cuadra. Este intenta callarle pidiéndole que sea más disciplinado, pero el resto de los miembros pueden ver la tensión entre ambos, y finalmente habla a todos: si Harrison quiere hacer daño a la federación, ¿para qué destruir un edificio con información pública?. Si quisiera hacer verdadero daño, tendría que atacar directamente al comité que está reunido en ese momento en esa sala por protocolo. Conforme habla, una pequeña nave se acerca desde el exterior a las ventanas, y comienza a disparar a discreción, provocando inmediatos daños, heridos y muertos. Se hace evidente que esta era la intención de Harrison desde el principio.

En medio del fuego y la imposibilidad de la gente en la sala para defenderse, salvo intentar ocultarse, Kirk consigue improvisar un contraataque que inutiliza la nave, nuevamente in extremis, ya que uno de los impactos ha alcanzado fatalmente a Pike, aunque Spock retira su cuerpo de la zona de tiro mientras este aún respira. Conforme la nave atacante empieza a caerse, Kirk consigue ver que el piloto de la misma es Harrison, aunque ya ha comenzado a teletransportarse. Antes de que este se desvanezca, Kirk y Harrison posan la mirada el uno en el otro. La nave atacante, ya sin piloto, cae causando grandes daños al edificio.

Aquí es donde terminan los primeros 25 minutos de película, aunque se nos proyectaron dos escenas cortas más:

La primera escena muestra una Enterprise agonizante a punto de entrar en la atmósfera terrestre sin escudos, lo cual provocaría que esta y sus ocupantes se carbonizaran. En una pura escena de acción, Spock, que está al cargo de la nave según sus propias palabras “como segundo al mando”, intenta hacer que la tripulación abandone el Enterprise sin éxito, mientras Scotty y Kirk intentan acceder a un lugar de la nave donde poder restablecer los escudos, aunque la baja estabilidad gravitatoria no les pone las cosas fáciles. La escena se corta en medio del climax.

La segunda escena es un muy breve pero espectacular impacto de nave en la ciudad de San Francisco, provocando un daño gigantesco. En medio del caos está el villano Harrison, con ropas muy desgastadas y con evidente nerviosismo, intentando escapar. Es entonces cuando aparece teletransportado en medio de la calle Spock, quien localiza rápidamente a Harrison y comienza a perseguirle. Ambos protagonizan una espectacular carrera que desemboca en lo alto de una aeronave donde comienzan una peligrosa pelea, aunque la escena no llega a finalizar.

Esto fue todo lo que pudimos ver. En general, la sensación que tuvimos al ver el metraje, es que se ha seguido (a nuestro juicio, inteligentemente) el patrón que ya se utilizó en la primera entrega en cuanto a forma y fondo narrativo: mucha acción, mucho humor (nada facilón) y un guión inspirado y en perfecto medio camino entre la seriedad y la pura aventura, todo ello combinado con una puesta en escena realmente ESPECTACULAR y unos efectos especiales que quitan el hipo, al perfecto servicio de la historia. Temblamos de emoción pensando en lo que hará Abrams con la nueva entrega de Star Wars. Aquí no podemos evitar el hype. El único pero que le hemos visto a estas escenas es una cierta intencionalidad de crear cliffhangers facilones como el de la reunión del comité de seguridad: resulta muy curioso que sea Kirk quien se de cuenta de la trampa puesta por Harrison en el último momento, y que nadie más en dicho comité (¡ni siquiera Spock!) se den cuenta de ello.

Esperamos ansiosamente el estreno de Star Trek: En la oscuridad pese al retraso que va a haber respecto a otros paises. Como siempre, en Cinefilo.es haremos la correspondiente review una vez veamos el film al completo, aunque este aperitivo nos ha dejado muy buen sabor de boca y, lamentablemente, con ganas de mucho más.

]]> http://www.cinefilo.es/noticias/28-minutos-de-star-trek-en-la-oscuridad/53955/feed/ 1 http://www.cinefilo.es/criticas-cine/argo-de-ben-affleck/50702/ http://www.cinefilo.es/criticas-cine/argo-de-ben-affleck/50702/#comments Thu, 13 Dec 2012 16:32:12 +0000 danoliverm http://www.cinefilo.es/?p=50702 Ben Affleck regresa a la dirección en la que posiblemente sea su película más redonda hasta la fecha: Argo, nombre de la ficticia película inventada por la CIA en 1980 que permitió a uno de sus agentes rescatar a seis prisioneros políticos en Irán en colaboración con la embajada canadiense, y basado en un hecho real. Por supuesto, él se reserva el papel principal.

Lo de Ben Affleck es como lo del Dr. Jekyll y Mr. Hyde: se puede considerar que su capacidad interpretativa (hasta que se demuestre lo contrario) es bastante limitada, pero ha demostrado con pocos trabajos como director que este rol le viene como anillo al dedo. A las excelentes Adiós pequeña adiós y The town (Ciudad de ladrones), Affleck suma a su currículo otra excelente cinta que en este caso nos cuenta la historia real de cómo un agente de la CIA se infiltró en Irán con la insólita excusa de buscar localizaciones para una película falsa y rescatar así a seis norteamericanos refugiados en la embajada de Canadá durante la revolución Iraní de 1980.

Vaya por delante que esta es una de esas películas basada en hechos reales en tono semidocumental (imágenes de noticiarios de aquel entonces inclusive) que tanto gustan al público norteamericano. Afortunadamente, Argo no se queda en lo más obvio y demagógico y construye un apasionante film que se compone de prácticamente lo mejor de los géneros que puede abarcar, sin excederse en ningún momento en ninguno de ellos. Así pues, nunca abusa ni del dramatismo, ni del humor, ni de suspense, ni de panfleto documental, sino que tiene un poco de todo ello y, lo que es más sorprendente, conviviendo de forma magistral. Además, sorprende muchísimo el componente crítico sobre la incompetencia de la CIA o las manipulaciones políticas de los Estados Unidos, aunque pasen relativamente desapercibidos si no se presta atención. Mención aparte, la generosa colección de guiños cinematográficos que aparecen a lo largo de todo el metraje.

Así pues, la parte cómica del film la ponen dos genios como John Goodman y Alan Arkin dando vida a los locos productores hollywoodienses que maquinan la producción de la ficticia película. La CIA en sí aporta un poco de lo primero y un poco de drama, dejando el resto del pastel dramático y del suspense para el sufrido grupo de refugiados en Irán. Affleck como protagonista y nexo entre todos cumple su cometido sin más, en un rol al que no sabe o puede sacarle mejor partido.

Casi todo lo que se le puede hacer a Argo son alabanzas; la impecable recreación y diseño de producción de la época, la caracterización de sus personajes (salvo el Tony Mendez del propio Affleck, nada que ver físicamente con su original), un ritmo narrativo coherente y excelentemente medido, y un reparto más que competente destacando especialmente los ya mencionados Goodman y Arkin. Como única pega, habría que recriminarle a Affleck lo ridículo que queda en su tramo final lo forzada que está la dramatización de la secuencia del escape en el aeropuerto, aunque afortunadamente es un grano de arena en el desierto.

Argo es un film exquisito, instructivo, emocionante, divertido y que quizá no pase a los anales de la historia (el modelo de película no es precisamente revolucionario), pero sin duda es uno de los Films del año. Altísimamente recomendable.

Rotundamente, sí. Es imposible negarle a Peter Jackson y a su equipo de producción su enorme respeto y mimo por la obra de J.R.R. Tolkien, plagado en miles de detalles que para los no iniciados pasarán desapercibidos, pero que los Tolkiendilis (o fans de Tolkien, entre los que se incluye quien escribe esta crítica) disfrutarán en forma de interminables guilty pleasures como la mención a la ciudad de Gondolin o a la araña Ungoliant pertenecientes a El Silmarillion, por citar solo un par de ejemplos.

Lamentablemente, la película no es redonda por varios motivos, siendo el principal de estos el poco riesgo que se ha asumido a la hora de abordar el film: si la fórmula de El Señor de los anillos funcionó, ¿para qué cambiarla?. Esto se traduce en constantes planos aéreos recorriendo los bellos parajes de la Tierra Media mientras los personajes avanzan en línea, hobbit, mago y trece enanos que salvo un par de excepciones (Thorin y Balin, básicamente) están ahí para hacer el graciosete, música épica metida a mansalva, y muchos, muchos corre que te pillo con cientos de trasgos en gravitaciones imposibles. De hecho, la sensación de Deja vu con la trilogía de El Señor de los anillos es muy, pero que muy acusada.

Al margen de esto, que por otro lado era de esperar, la película es ni más ni menos lo que se espera de ella: una descomunal y épica producción de fantasía llamada a convertirse en un nuevo clásico del género que derrocha inspiración y buen tino por los cuatro costados, que además en esta ocasión es plenamente autoconsciente del interés que despierta. Además, Jackson ha tenido el detalle de infantilizar levemente el tono del conjunto para que sea más acorde con el del libro original (¡Dos canciones en los primeros treinta minutos!), pero tejiendo un entrelazado con El Señor de los anillos que no podremos comprender del todo hasta que veamos la trilogía al completo, y que ya puede intuirse a través de ese delicioso prólogo que incluye a Elijah Wood y a Ian Holm como Frodo y el viejo Bilbo en el día del famoso cumpleaños de este último, o la piedad del Bilbo joven hacia un Gollum que, si bien breve, ofrece uno de los momentos más redondos y carismáticos del film: los acertijos en las tinieblas (enorme Andy Serkis).

A nivel interpretativo, lo cierto es que una producción de estas características no da de sí lo suficiente para que buena parte del reparto se luzca como debiera (caso de Hugo Weaving, Cate Blanchett o Christopher Lee como Elrond, Galadriel y Saruman respectivamente), y a la ya bien conocida competencia de Ian McKellen como Gandalf se une un Martin Freeman sencillamente perfecto en el papel del carismático Bilbo, aunque la verdadera sorpresa del film es el atormentado, noble e intenso Thorin Escudo de roble de Richard Armitage, un auténtico robaescenas al que le se le ha concedido el papel que se merece. No se puede decir lo mismo de la mayoría de los enanos de la compañía, y es que trece personajes condensados en un reparto general mucho más grande es sencillamente demasiado para una película por larga que sea.

Para cualquier no-tolkiendili el metraje del film y la duración de sus escenas se le antojará, inevitablemente, excesivo. Objetivamente, su metraje es desproporcionado (a espera de las ya anunciadas versiones extendidas en el ámbito doméstico), y en su única defensa se puede alegar que no solamente tenemos elementos del libro original sino también de los apéndices de El Señor de los anillos, para supuestamente unificar ambas trilogías; y como perfecto ejemplo tenemos todo lo relacionado con el peculiar Radagast el pardo y su visita a la fortaleza de Dol Guldur (piedra angular de todo lo que desembocará en la guerra del anillo) o el concilio blanco, aunque sin duda se le puede reprochar (y mucho) a Peter Jackson escenas como la batalla de los gigantes de piedra, por espectacular que sea, o personajes semisacados de la manga como el orco Azog. Lo dicho: si la formula funciona, ¿para qué cambiarla?. Eso debieron pensar los productores: la gallina de los huevos de oro es sagrada.

Al final, uno se pregunta cómo hubiera terminado este film en manos de Guillermo del Toro, pero no tiene sentido el hacerlo. El Hobbit: un viaje inesperado es una muy buena y genuina película con ciertos pasajes realmente brillantes, y algunos no tanto. Lo que está claro es que tras poder disfrutar de tal torrente audiovisual como ese épico prólogo donde se nos presenta la gloria de los días de Erebor, la ciudad del lago, o la conquista del tesoro por parte de Smaug, la batalla a las puertas de Moria, la ciudad de los Trasgos… y todo ello bajo la batuta de un inspiradísimo Howard Shore fusionando perfectamente las partituras de El Señor de los anillos con los nuevos temas, da un poco de rabia pensar que hay que esperar todo un año para poder continuar su visionado en La desolación de Smaug.

En resumen, El Hobbit: un viaje inesperado es una película deliciosa que no decepcionará a los fans de la trilogía original, que despertará alabanzas y odios intensos entre los admiradores del libro, y que al resto de la humanidad (la minoría) les parecerá excesiva y/o aburrida. Lo mismo que hace una década. There and back again, como escribiría Bilbo Bolsón.

El director de obras maestras como Sentido y Sensibilidad, La tormenta de hielo, Tigre y Dragón o Brokeback mountain traslada a la gran pantalla la historia de un joven hindú y su extrema convivencia en medio del mar con un tigre de bengala tras sufrir un trágico naufragio en el pacífico mientras se trasladaba con su familia y los animales de su zoológico a Canadá en busca de una nueva vida.

Dirigida con un pulso excelente y narrativa efectiva, La vida de Pi llama la atención desde su mismísimo comienzo por el preciosista trabajo de recreación de todos los cónclaves del film en forma de milagros de la naturaleza, aunque en más de una ocasión (a veces de forma deliberada) toda esta colección de postales redunde en un evidente artificialismo. Algo que, al final, no moleste ni lo más mínimo al espectador, que se quedará inevitablemente maravillado e hipnotizado ante el despliegue de medios visuales, tanto en la parte que transcurre en tierra como en el mar.

Con un acto de introducción virtualmente perfecto (todo el tira y afloja entre el escritor y el Pi adulto) en los primeros años de vida del muchacho, el verdadero reto del film y su verdadera puesta a prueba consiste en llevar una película que durante más de una hora transcurre únicamente en un bote perdido en el océano con la única compañía de Pi y el tigre Richard Parker (cuya metafórica relación es de lo mejor del film). Es imposible no pensar en el Naufrago de Robert Zemeckis, aunque por suerte Lee es bastante habilidoso para salir muy bien parado de semejante reto. Realmente, resulta sorprendente el cómo el acto intermedio puede ser tan sumamente lúdico pese a lo limitado de su planteamiento.

Nada que objetar tampoco a las interpretaciones, aunque ninguna de ellas destaque especialmente salvo la del susodicho Pi en su versión adolescente (Suraj Sharma). De hecho, sorprende ver a Gerard Depardieu en un papel tan corto y supuestamente insulso, aunque ahí es donde entra en escena el apartado más polémico del film; Y es que La vida de Pi tiene un desenlace tan apresurado, intenso, plagado de información y posibles interpretaciones, que a primera vista resulta bastante confuso pero que a posteriormente se revela como uno de sus elementos más poderosos.

La vida de Pi puede sin duda interpretarse como un inteligente ejercicio de comunión entre religiones (ese Pi niño fascinado por el cristianismo), paz espiritual, tolerancia y respeto sobre las inquietudes de su personaje principal o su contrapunto en un claro mensaje sobre la negatividad y el oscurantismo del mundo religioso y que se manifiesta físicamente en los roles de los padres de Pi, pero eso no impide al personaje que su fe sea en última instancia lo que le permite sobrevivir en todos los sentidos (atención a la narración en un único plano de la historia del naufragio a los japoneses).

Sea como fuere, con o sin polémica, el film de Ang Lee es una auténtica maravilla cinematográfica en todos sus aspectos, de visionado más que recomendable (sí, afortunadamente, también en 3D), y una interesante propuesta para los próximos Oscar.

Brave está ubicada en la antigua Escocia y cuenta la historia de Merida, una joven princesa algo rebelde con alma de guerrera que, como no podía ser de otro modo, está abocada a convertirse en una perfecta señorita y casarse con alguno de los pretendientes de los otros clanes, destino al cual (y como tampoco podía ser de otro modo) se niega tajantemente, y que desembocará en un error que deberá enmendar antes de que sea demasiado tarde y que se convertirá en toda una lección de vida para ella.

Sí, esta es la perfecta definición de una película Walt Disney en toda regla, y es que la nueva película de Pixar Studios parece haber abandonado con Brave, al menos parcialmente, su seña de identidad en este sentido, haciendo una película puramente infantil de esas con moraleja suave y nobles sentimientos. Es lo malo de hablar de Pixar, que se ha ganado a pulso en la última década el título de estudio de animación más prestigioso del mundo y que ha llegado a eclipsar a la propia Walt Disney con maravillas una concatenadas como Buscando a Nemo, Los increíbles, Ratatouille, Wall-E y, sobre todo, Up: quien escribe esta crítica no puede evitar pensar en la retrospectiva y en el bajón no de calidad, sino de originalidad, que supone Brave.

No obstante, hay que valorar la cinta de Mark Andrews y Brenda Chapman de forma independiente y, afortunadamente, Brave sigue siendo una notabilísima cinta de animación que sobresale con nota en todos sus apartados técnicos y de producción (además de tener una magnífica banda sonora), con un guión muy correcto y bien desarrollado, y con los entrañables personajes de Merida y su madre Elinor (en su versión original, Kelly MacDonald y Emma Thompson).

A través de una preciosista puesta en escena y un apartado audiovisual impecable, Brave nos cuenta en esencia un relato clásico acerca de encontrarse uno a sí mismo, la forja del destino y la responsabilidad de nuestros actos, todo ello de forma extremadamente light, y que está equilibrado de una forma algo descarada por los elementos cómicos en forma del padre de Miranda, los descacharrantes clanes vecinos, la bruja de la madera y los tres hermanos de la protagonista, para que amortigüe la enorme carga dramática que hay detrás, y que afortunadamente está muy bien dosificada.

Aquí es donde reside sin duda lo mejor de Brave: se acerca al estereotipo sin ser para nada el estereotipo. El personaje de Merida, mujer moderna por antonomasia, encuentra su talón de Aquiles en el de su tradicional e inflexible madre para al final aprender mutuamente, en un magnífico ejercicio de autocomplacencia que afortunadamente no insulta la inteligencia del espectador, ni del niño ni del adulto, y deja de lado todas las excentricidades propias de Pixar en sus films. Una de cal, y una de arena, sí, pero sin duda coherente con para el tono de la historia.

En resumidas cuentas, Brave es una nueva sorpresa de Pixar que abre un nuevo camino en la trayectoria del estudio para intentar conciliar lo nuevo y lo clásico, que aprueba con notable alto y que es de visionado más que recomendable.

Adam Shankman, pese a tener ya bastantes tablas en la dirección, es desde sus orígenes un excelente coreógrafo, con lo que el género musical le viene como anillo al dedo tal y como pudo demostrar con el gran éxito de crítica y público de Hairspray. No es de extrañar que tomara las riendas de este proyecto con garra e ilusión, y lo cierto es que las expectativas puestas en él por los amantes del género estaban bastante altas con este precedente.

Sin embargo, Rock of ages es, lamentablemente, una película bastante del montón si nos atenemos al guión y el desarrollo de su historia, compuesta íntegramante para meter con calzador una retahíla de soft-rock de gran éxito en los años 80 procedente de bandas tan aclamadas como Poison, Twisted sister, Foreigner, Bon Jovi, Extreme o Journey, y dejándose en el escenario de Broadway otros como el mítico Final Countdown de Europe. Esto repercute en un cuento harto visto ya lleno de topicazos y estereotipos con margen nulo para la sorpresa: Chica de pueblo llena de ilusiones que viaja a la gran ciudad para triunfar en la música (¿Alguien dijo El bar coyote o Burlesque?) donde conoce a chico guapo, se enamoran perdidamente bajo las alas de la música, y ocurre algún malentendido que los separa para que al final todo se arregle y vivan happily ever after. Lo dicho, el colmo de la originalidad.

Afortunadamente, Rock of ages no se queda solamente en eso, ni en una mera compilación de temas más o menos conocidos (especialmente para el público norteamericano), sino que hace una inteligentísima combinación de los temas escogidos para la producción (por poner un ejemplo, el More than words de Extreme y el Heaven de Warrant) junto con una vibrante, inspirada y espectacular puesta en escena (El Dead or alive de Bon Jovi en voz de Tom Cruise o el Any way you want it de Journey interpretado por Mary J. Blige). En ese aspecto, la película cumple su cometido con creces: absorber al espectador en un magnífico y absorbente torrente audiovisual.

En el terreno interpretativo, resulta francamente curioso que el lazo principal de la película (la historia de los personajes de Diego Boneta y Julianne Hough) nos dé más bien lo mismo, y que quien robe indudablemente el show sea el no-tan-secundario papel de Tom Cruise, increíblemente divertido en un registro poco común para él (aunque ya demostrara que ganas de reírse no le faltaban en su icónico papel de reparto en Trophic Thunder), en la piel de la leyenda del Rock Stacee Jaxx, un rockero más que pasado de rosca que vive del exceso y la excentricidad, y donde aprueba con nota: Impagables las escenas cómico-erótico-festivas que se marca junto a Malin Akerman mientras interpretan More than words, por no mencionar que a sus 50 años el Sr. Cruise se pasa prácticamente la película entera a pecho descubierto, un pecho que sería la envidia de muchísimos veinteañeros.

Es necesario también hacer hincapié en el más que interesante papel de groupie despechada reciclada en ultraconservadora (y cornuda) esposa del alcalde de Los Angeles que interpreta brevemente Catherine Zeta-Jones, muy sobreactuado (para bien, afortunadamente) y que aporta algunos de los momentos más tronchantes de la cinta: simplemente genial la interpretación del Hit me with your best shot de Pat Benatar en la iglesia, o el medley de We built this city de Starship y el We’re not gonna take it de Twisted sister.

Al margen de las estrellas del show ya citadas, es una pena que el resto del reparto o bien no se luzca lo más mínimo (Alec Baldwin y Russell Brand, que solamente tienen un momento filogay interesante con el Can’t fight this feeling de REO Speedwagon), sean simplemente patéticos (Paul Giamatti, tanto vocal como interpretativamente) o estén ahí solamente para lo que saben hacer (Mary J. Blige, de prodigiosísima voz, pero que no aporta nada más a la cinta), y ahí sí que da la sensación de que Rock of ages es una película bastante desaprovechada.

En definitiva, El film es puro y superficial entretenimiento de primera categoría pensado sobre todo para la generación Glee (serie para la cual, por cierto, Shankman ha dirigido dos capítulos hasta la fecha) en forma y fondo, y cuyo tema abanderado es curiosamente el Don’t stop believing de Journey. Divertida, simpática, vacua, y eso sí, afortunadamente, una delicia para cualquier amante de los musicales. Muy, pero que muy recomendable.

Hotel Villamagna, Madrid, 15:20 horas. Tras un encuentro con el equipo de Universal, entramos en una de las salas habilitadas para el encuentro con el actor. Con una puntualidad casi impecable, Renner entra en la sala con energía, una sonrisa y saluda a todos los medios presentes chapurreando el español con cierta soltura. Somos cinco los medios presentes, entre ellos cinéfilo.es, y el encuentro  se produce con cercanía, como una tertulia entre amigos. Renner transmite buena presencia, simpatía, pulcritud y profesionalidad. Ya ha acudido a la premiere de la película y afronta una agotadora y maratoniana jornada de promoción, algo que no le impide cumplir sobradamente con nosotros.

El legado de Bourne supone una renovación de la harto famosa saga protagonizada por Matt Damon, que más que un spin-off es una expansión en toda regla de este universo en el cual Renner interpreta a Aaron Cross, uno de los seis agentes secretos creados por el programa Outcome. Le acompañan Rachel Weisz, Edward Norton y buena parte del reparto de la saga original, ya que de hecho la trama está directamente relacionada con los acontecimientos de El ultimátum de Bourne, última película de la saga hasta ahora.

Renner, que en los últimos años ha adquirido una notable fama a raíz de la oscarizada En tierra hostil y especialmente con su personaje de Ojo de halcón en Los vengadores además de otros blockbusters como Misión imposible: Protocolo fantasma o The town, afronta aquí el gran reto de enfrentarse a la sombra de un personaje tan carismático como Jason Bourne e intentar estar a la altura de una saga muy querida por el gran público.

¿Qué tipo de entrenamiento ha tenido que realizar para protagonizar El legado de Bourne?
Lo más importante era sin duda mantener una buena forma física. Si te dicen que subas un edificio, acometes la tarea sin más. Pero en escenas como en la lucha que mantengo con un lobo, no hay mucho margen para la práctica: se hace o no se hace. Lo que sí requirió mucha más dedicación fueron las peleas cuerpo a cuerpo, ya que no se puede dejar nada al azar. No hay ordenadores ni efectos para fingir ese tipo de escenas. Lo conseguí gracias a un entrenamiento intenso en artes marciales durante dos años y la estrecha colaboración con los especialistas de la película.

Ahora que usted ya es una estrella consagrada en Hollywood, ¿consideraría la posibilidad de volver a protagonizar series de televisión o considera esta etapa de su carrera ya terminada?
No es que haya dejado atrás la televisión. Esta es un terreno muy duro en general para un actor y un trabajo constante y sacrificado, aunque sin duda hoy en día muchos de los mejores productos audiovisuales proceden de la televisión de pago. Por citar algo, me viene a la cabeza Breaking bad o las series de HBO. Escoger entre cine y televisión es más bien un estilo de vida, y ahora mismo lo que me interesa es el cine.

¿Le preocupa encasillarse en papeles de acción?
Me preocupa quedarme atrapado en cualquier cosa, en general. Si solamente hiciera dramas, también me preocuparía. Lo que me interesa son los retos, algo que me estimule, los proyectos interesantes… eso es lo que más me importa. Me gustan esos proyectos en los que sé que los fans van a disfrutar en la sala de cine.

¿Cómo lleva eso de protagonizar una saga original protagonizada por Matt Damon… sin Matt Damon?. ¿Bourne sin Bourne?.
Ese era un tema que me preocupaba sobremanera, especialmente al ser fan de la saga original. Pero entonces obtuve toda la información, el guión de Tony Gilroy, la expansión que ideó para la historia original, el reparto que iba a formar parte de ella… y todas las dudas se me disiparon del todo.

El personaje de Matt Damon se volvió realmente carismático para el público en la saga original… ¿cómo enfocó su actuación para diferenciar a Jason Bourne de Aaron Cross?
El guión ya era de por sí suficientemente bueno para definir a mi personaje. Bourne y Cross son esencialmente diferentes, no hay muchas similitudes entre ellos. Lo importante era darle a Aaron esencia, personalidad. Si acaso he tomado alguna referencia, lo he hecho de la última entrega previa a esta, El ultimátum de Bourne, la cual revisé varias veces porque partimos de ella para definir los acontecimientos que se dan en El legado de Bourne. Pero nunca me pregunté “¿qué haría Jason Bourne en esta situación?” durante el rodaje.

¿Se ha arrepentido alguna vez de rechazar algún papel?
No, en absoluto. Ni sobre esto ni en mi vida en general. No tiene ningún sentido, ya que todo define lo que eres en el presente… ¡a menos que te odies a ti mismo!. Me siento muy bien con todo lo que he hecho y dejado de hacer en la vida… siempre deseas que algunas cosas no hubieran ocurrido, por supuesto, pero en lo que se refiere a la industria, nunca me he sentido mal al rechazar ciertos papeles. Todo es una experiencia de lo que aprender.

Últimamente, todo son remakes, películas de superhéroes y secuelas. Usted ya ha abordado dos de estas temáticas… ¿hay algún remake del que le gustaría formar parte?
Pues no sé qué decir… en realidad, ¿no es todo un constante remake?. Para mí, realmente solo existen doce tipos de historias que contar. Empieza con la mitología griega, para que después Shakespeare la reescriba bajo su visión… ¡y que luego llegue Tarantino y haga lo mismo! (risas). Pero lo que quiero decir es que, en general, las historias son constantes repeticiones contadas de forma distinta.

¿Era usted ya fan de las sagas que ha protagonizado?
Absolutamente. Sobre todo de la saga de Bourne, del trabajo que Matt Damon y Paul Greengrass realizaron con las películas anteriores, y de la renovación del género que supuso. Incluso ahora que soy parte de ello sigo siendo un auténtico admirador, si no más.

En El legado de Bourne se ha rodado en diversas localizaciones como Canadá, Filipinas… ¿tiene usted tiempo para disfrutar cuando viaja a estos lugares, o se limita simplemente a realizar su trabajo en el set y regresar al hotel?
Pues esto realmente depende del tipo de película y de papel que se interprete. Si tengo una noche libre, siempre intento conocer un poco el lugar que visito… pero en este caso, el rodaje supuso un intenso trabajo de siete días a la semana. Siempre hay algún momento para disfrutar, pero no es fácil.

¿Qué tal ha sido el trabajar con Rachel Weisz y Edward Norton?
Son de los mejores actores del panorama actual. Fue un auténtico reto. Estar rodeado de tanto talento asusta, pero a la vez te inspira y fuerza a no vaguear y a ser mejor actor. Intentamos darnos mutuamente lo mejor de nosotros mismos. Son absolutamente increíbles como actores, y además excelentes personas.

¿Tendremos película propia para Ojo de Halcón, de Los Vengadores?
Ni idea… ¡si tienes una bola de cristal, dímelo! (risas). Sé tanto como tú.

Usted interpretó en 2002 al psicópata Jeffrey Dahmer en Dahmer, el carnicero de Milwaukee. ¿Le afectó personalmente el tener que intentar comprender la forma de pensar de alguien tan alienado?
Hablando en plata, ¡me dejó totalmente jodido! (risas). Este fue un papel realmente duro de interpretar, que me llevó al límite. Existe una cierta fascinación por los asesinos por parte de aquellos que los estudian… y yo no soy de esas personas, pero fue emocionante el explorar esa faceta humana. Terrorífico, de hecho, y a día de hoy aún me afecta. Por ejemplo, soy totalmente incapaz de estar solo en un bar. Me saca totalmente de quicio. En general me gusta estudiar el comportamiento humano: la gente “normal” ya es de por sí muy interesante porque no son realmente como los vemos de primeras, pero si además hay algo químico que no funciona como debiera en su cerebro, es aún más apasionante.

En un caso hipotético… ¿cómo podrían coexistir Jason Bourne y Aaron Cross?
No sé, ¿qué opinas tú? (risas). Ojalá la gente siga planteándose esta pregunta tras ver El legado de Bourne. Yo mismo pienso en ello, en diferentes posibilidades para unir a ambos personajes en una sola película, pero no puedo decir nada más.

Tras esta última pregunta, que fueron formuladas conjuntamente por los medios que estábamos allí presentes, dimos por concluída la entrevista. Jeremy Renner se despidió con un sonoro ¡vámonos! en perfecto castellano y un agradecimiento sincero a todos por nuestra presencia.

Desde cinefilo.es queremos agradecer a los compañeros de medios de internet allí presentes y, sobre todo, al excelente trato recibido por parte de Universal, que se molestó en conceder un tiempo precioso de una estrella de Hollywood en medio de una intensa agenda promocional a medios de comunicación más humildes más allá de la prensa general y mediática. Y como no, a Jeremy Renner por su buen humor, su profesionalidad, afabilidad y cercanía.

El legado de Bourne podrá verse en los cines de toda España a partir del próximo 15 de agosto.

Cuando uno ve Kiseki y tiene presente la retrospectiva de Kore-Eda, lo primero que le choca enormemente es el tono afable, desenfadado y poppie que inunda esta película, ya que si recordamos su última experiencia teniendo a casi como absolutos protagonistas a niños viviendo un mayúsculo drama en la desgarradora Nadie sabe, a priori no parece que tengan mucho que ver (aunque, como se ve posteriormente, sí que tienen muchísimos puntos afines). Además, la frescura de esta nueva propuesta contrasta ampliamente con su último (y fallido, aunque solo por lo extravagante y poco afinado) trabajo, Air doll.

Película de encargo para promocionar una línea de trenes bala y teniendo como protagonistas a dos cómicos natos y soberbios como los hermanos Maeda, que lo son dentro y fuera de la pantalla, un director como el que nos ocupa y que ha marcado fuertemente con su impronta films puramente de autor como la ya citada Nadie sabe o esa exquisita e inspirada reflexión generacional que es Still walking, parece haber vendido su alma al diablo, pues en todo el conjunto se adivina una amplia superficialidad y banalidad (ojo, solo latente) adornadas de momentos Disney a la japonesa y una amplia gama de secundarios que, si bien en su mayor parte son la guinda del pastel (sobre todo los amigos de los hermanos), en otros apenas tienen sabor que aportar a este gran dulce.

Lo que ocurre es que, al final, uno no puede dejar de rendirse ante los enormísimos méritos que Kiseki posee, empezando por una inmaculada dirección de (pequeños) actores, de esos que tan bien sabe manejar Kore-Eda, y en la magnífica descripción del mundo interior de esos niños que ocupan la práctica totalidad de su metraje dejando muy atrás las interpretaciones adultas en forma y fondo. Uno podría pensar que tenemos aquí un nuevo Hayao Miyazaki en estas lides (por aquello de un mundo lleno de niños que se quieren mucho y adultos totalmente empáticos con ellos, como la profesora y enfermera del colegio), pero realmente es imposible dejar de pensar en Buenos días de Yasujiro Ozu al ver las desventuras de estos niños hartos de las irresponsabilidades de los adultos que les rodean.

La maestría de Kore-Eda queda muy patente a la hora de plasmar visualmente los pequeños detalles que hacen de la vida un constante momento mágico en plena ausencia de magia (atención a la secuencia de planos en el cruce de los trenes bala) y en unos personajes que, si bien no se ajustan demasiado a una realidad estrictamente verídica (la pareja de ancianos que acoge al grupo de amigos), así que se le perdonan ciertas tramas secundarias (la de cualquiera de los adultos, claramente) que adolecen de un agudo soponcio, quizá deliberadamente buscado por otra parte.

Divertida, tierna, con un rollito feel-good en su justa medida, Kiseki es una pequeña joya y, en manos de este crítico, que ha seguido ávido la trayectoria de su director en los últimos años, una agradable y auténtica sorpresa. No importa si su moraleja final es francamente ambigua o desenfocada: en términos generales, al final se acaba con una sonrisa en los labios y pensando que, por muy duro que sea el mundo y los avatares de la vida, mientras existan los buenos sentimientos, el cariño y los sueños por cumplir, habrá un motivo para seguir adelante.

De visionado obligatorio para los amantes de las buenas (o al menos originales) historias y para optimistas empedernidos.

Protagonizada por François Cluzet (Pequeñas mentiras sin importancia) y Omar Sy (Micmacs), Intocable cuenta la peculiar y entrañable amistad entre un millonario de mediana edad tetrapléjico por avatares del destino, y un residuo urbano de clase baja y con problemas familiares y delictivos que, por feliz casualidad, cruzan sus destinos para beneficio mutuo.

Lo cierto es que la cinta es de todo menos original: una mezcla entre Paseando a Miss Daisy, The blind side (imágenes de los personajes reales inclusive en los créditos finales) y Rain Man (no haremos chistes sobre el parecido físico de François Cluzet con Dustin Hoffman). La buena noticia es que la efectiva dirección y la innegable química entre sus protagonistas junto con una serie de simpáticos secundarios hacen que el film transcurra con una armonía casi mágica.

Su mayor baza es, no obstante, su gamberrísimo sentido del humor, que casi roza lo impresentable, y un muy comedido drama en perfecto punto de ebullición para no convertirse en una kleenex movie del montón, y eso no será porque la película no lo intente a base de tópicos a cascoporro: millonario sensible y deprimido, chico barriobajero con ganas de redimirse, familia rica de cuervos recelosa, tía buena que se resiste si-pero-no a los encantos del chico malo, tragedia de un amor perdido del pasado, ilusión de un amor futuro, amistad tierna que se forja entre sus protagonistas, inexorable redención… y un larguísimo etcétera. Intocable busca con todo tipo de descaro, pero también con mucha picardía, la vena sensible del espectador.

Argumentamente previsible, motivaciones y conclusiones dispersas y emocionalmente tramposa (ninguno de los personajes está realmente bien definido, a excepción del personaje de Cluzet), también resulta fresca, genuinamente emocionante y tremendamente divertida (atención a la escena de la fiesta y la orquesta). Técnicamente es de una sobriedad notable, aunque no se comprende muy bien la insulsa inclusión de elementos que no van a ninguna parte dentro de la historia: las líneas argumentales de los hermanos y la madre de Driss, de la asistenta Yvonne, incluso la escena inicial que nos muestra un tramo avanzado del film (básicamente porque no es necesario ni cumple un propósito narrativo importante).

En todo caso, y pese a las evidentes deficiencias que tiene a nivel argumental y lo manido de su guión, Intocable es una película francamente recomendable, de visionado muy agradecido y que claramente llega al corazón.

Los descendientes nos cuenta la peculiar historia de Matt King, un abogado que vive en Hawái junto a su mujer y sus dos hijas, y que tiene que verse de golpe con un triple impacto brutal en su vida: el accidente que deja en coma a su aparentemente no muy modélica esposa, tener que tratar de ser un buen padre para unas hijas a las que no ha prestado demasiada atención, y tomar una decisión trascendental sobre una venta familiar. Este interesante punto de partida se convierte rápidamente en un comedido drama de situaciones cuanto menos extrañas y con una enorme carga emocional.

Resulta bastante evidente, para empezar, en un cierto paralelismo en el tono a la anterior película dirigida por Payne, la deliciosa Entre copas, aunque también es cierto que todo el tramo inicial narrado en primera persona por Clooney nos haga pensar que estamos viendo una especie de secuela de Up in the air. Afortunadamente, la personalidad del film se va definiendo muy independiente conforme avanza y nos va desvelando la evolución de sus personajes.

Lamentablemente, y aunque la película tiene colaboraciones estelares de pesos pesados como Robert Forster y Beau Bridges, la película pertenece casi egoístamente a Clooney solito, aunque no hay que perder de vista a Shailene Woodley como la hija en la ficción de este, un indudable talento potencial. Dejando claro este punto, que es un vehículo de lucimiento perfecto para el veterano actor, podemos evaluar las virtudes y defectos de una cinta interesante en su conjunto.

El guión de Los descendientes, título que hace alusión a las raíces Hawaianas de la familia de Clooney en la película, es un interesante pulso que se mueve entre el drama más visceral, una feel-good movie con aspiraciones de cierta moralidad ante la vida, y un no tan ligero alegato sobre el medio ambiente, aunque este último punto quizá esté bastante difuminado respecto al argumento principal, que gira siempre en torno a la esposa de Clooney y el palpitante desenlace que le espera no solo a ella sino a todos sus amigos y familiares. Llevada con un ritmo muy correcto, aunque a veces algo plomizo, su interés va creciendo por momentos y alcanza momentos de brillantez absoluta, si bien su endeble sentido del humor y la cobardía con la que acomete las escenas dramáticas restan un punto de credibilidad al conjunto.

Técnicamente es una película muy destacable aunque especialmente su exquisita fotografía, muy viva y realista, del por otro lado excelente cónclave que suponen las paradisíacas islas de Oahu, Hawái y Kauai. Un altísimo porcentaje del film transcurre en exteriores, algo que aprovecha muy bien estas idílicas localizaciones. La música, también puramente hawaiana, está muy bien insertada y pese a su folkorismo, no podría estar mejor escogida.

Los descendientes es una película de visionado muy agradecido y con una historia atrayente, genuinamente bonita y con un punto extravagante que sin embargo rezuma cierto tufo academicista, posiblemente razón por la cual está teniendo tanto éxito (no hace falta ser muy adivino para saber que estará nominada a varios oscars en los próximos días), pero también adolece de cierta superficialidad por el mismo motivo. Clooney está muy correcto en su papel, aunque tampoco sobresale especialmente, en un título que le pertenece casi al completo.

Alexander Payne puede, por tanto, estar orgulloso de su última obra en términos generales, pero salvando sus alternantes puntos de lucidez, Los descendientes es en su esencia un film de bien alto rozando el notable. De visionado, no obstante, muy recomendable.